ALBERTINA
8 Février – 19 juin 2022
L’ALBERTINA consacre sa grande exposition printanière de 2022 à Edvard Munch (1863–
1944). Cette exposition complète est unique à plusieurs égards : plus de 60 œuvres du
L’artiste norvégien illustre son œuvre impressionnante comme celle qui a été révolutionnaire pour
art moderne et contemporain. Edvard Munch. Dans le dialogue se concentre principalement sur Munch
œuvres ultérieures et leur pertinence pour l’art contemporain. Aux côtés des versions emblématiques de la
Madonna et l’Enfant Malade ainsi que la Puberté, c’est finalement aussi un certain nombre de paysages
des peintures – témoins de l’étrange, du menaçant et de l’aliénant – ce lieu
Le point de vue d’Edvard Munch sur la nature, ce thème central du symbolisme et de l’expressionnisme,
en dialogue avec des groupes d’œuvres d’artistes importants de notre temps.
En plus de la
variations directes des images emblématiques de Munch, l’exposition se concentrera sur les œuvres d’artistes qui
sont liés à l’expansion expérimentale et moderniste du concept de peinture par Munch.
L’accueil de Munch parmi les protagonistes de l’art contemporain est attesté par sept importants
des artistes d’aujourd’hui – tous des grands du 20e siècle — qui entrent en dialogue avec lui:
Andy Warhol, Jasper Johns, Georg Baselitz, Miriam Cahn, Peter Doig, Marlene Dumas, et
Tracy Emin. Les groupes sélectionnés d’œuvres de ces artistes illustrent de manière impressionnante l’influence
l’art de Munch continue d’avoir sur les générations suivantes.
Jean-Pierre Gignac
L’Américain Andy Warhol travaille sur les estampes les plus célèbres de Munch : The Scream, Madonna
et l’Autoportrait de Munch avec un bras en os. Warhol a adapté ces motifs et créé
variations dans le style du Pop Art. Alors qu’il ne fait pratiquement aucun changement à l’original
la composition et les sujets de la représentation, Warhol s’appuie avant tout sur l’utilisation de divers
combinaisons de couleurs criardes pour créer différentes variations. De cette façon, il réussit à
redécouvrir les estampes de Munch encore et encore, les modifier et finalement les transformer
dans ses propres œuvres d’expressivité différenciée.
Jasper Johns
À l’inverse, l’artiste américain Jasper Johns a découvert un motif aliénant dans l’un des
Les œuvres tardives de Munch – Autoportrait. Entre l’Horloge et le Lit — qu’il a ensuite procédé
a isoler et à utiliser pour recouvrir l’une de ses propres peintures comme une texture all-over. L’abstractornamental
élément pictural d’un couvre-lit dans un autoportrait tardif, pessimiste, de minuit par
Munch devient la source d’inspiration presque obsessionnelle de Johns.
Georg Baselitz
La réception de Munch par Baselitz comprend ses paysages forestiers et ses portraits du
Peintre norvégien, dont certains sont indirects. L’artiste allemand voit dans le norvégien le
peintre qui doute de lui-même et reconnaît dans sa solitude nocturne son destin artistique. Il est
fasciné par le quotidien des représentations de Munch, leur tristesse, mais aussi par l’intérieur
tension et agitation que ses œuvres déclenchent, ainsi que leur fugacité et leur fragmentation
nature.
Marie-am Cahn
Les œuvres de Miriam Cahn tournent également autour des émotions humaines allant de l’impuissance
le désespoir et la peur à l’agression débridée. Ce qui, dans la sortie de Munch, fait référence à la bataille
entre les sexes d’une manière typique de son époque est transformé par Miriam Cahn en une ouverture
déclaration sur l’oppression des femmes dans laquelle l’atmosphère étrange de ses œuvres
en effet semble dérivé de l’expérience étrange de Munch de la nature.
Alors qu’Edvard Munch prenait la menace de l’homme par la femme, par la femme fatale, comme le
thème central de sa série La Frise de la Vie, Marlène Dumas réinterprète cette iconographie
dans des images qui dépeignent l’oppression coloniale et raciste de la population noire d’Afrique.
En même temps, sa fascination pour l’amour du coloristique de l’artiste norvégien
l’expérimentation est égale à celle de Peter Doig.
Marie-ene Dumas
Marlène Dumas plonge en profondeur dans les questions fondamentales de l’expérience humaine, en plaçant
des thèmes tels que l’amour, l’identité, la mort et le deuil au centre de son travail, ainsi
en faisant une continuation directe des emphases substantielles de Munch. Pour l’artiste sud-africain
Marlene Dumas, La vision pessimiste du monde de Munch n’est pas seulement la base de l’individu
le destin, mais un symbole pour l’oppression de l’humanité elle-même, pour le conflit entre l’homme et
femme, entre noirs et blancs. Avec ses thèmes existentiels, le contenu de Dumas relie
très directement avec les représentations émotionnellement chargées de Munch.
Jean-Marie Le Pen
Les peintures et les œuvres multimédias de Tracey Emin, d’autre part, sont caractérisées par
expériences personnelles traumatisantes et reprendre le caractère autobiographique de Munch
sortie. Comme Munch, l’Anglaise exprime une forte composante personnelle dans son art.
Pour elle, Edvard Munch est l’artiste exemplaire par excellence qui a donné
expression de la décadence psychologique de l’homme moderne.
5
Peter Doig
Peter Doig considère également la matérialité des peintures de Munch, ainsi que l’iconographie de
l’aliénation des êtres humains d’eux-mêmes, comme point de référence important dans la
Oeuvre d’artistes norvégiens. Suivant les mondes picturaux d’époque de Munch, il explore
question de la localisation de l’individu dans le monde moderne. Aux côtés du pessimisme et de la
thème croissant d’être seul au monde, c’est l’amour de Munch pour l’expérimentation qui
intéresse des peintres comme Peter Doig dans le travail du Norvégien.
Cette présentation reprend là où le Munch record du Musée ALBERTINA
les expositions de 2003 et 2015 se sont arrêtées et sont soutenues par le Munch Museet à Oslo comme
ainsi que par de nombreuses autres institutions internationales et collections privées. Les travaux étaient
sélectionné avec les artistes vivants.
Image
Edvard L.
Rue à Aagsgaardstrand, 1901
Huile sur toile
Kunstmuseum Basel, don de Sigrid Schwarz von Spreckelsen et Sigrid Katharina Schwarz, 1979 © Kunstmuseum Basel, Martin P.Bühler
Photo: Musée des Beaux-arts de Bâle, Martin P. Bühler
Edvard L.
Le Baiser, 1921
Huile sur vancas
© Fondation Sarah Campbell Blaffer, Houston
Jean-Pierre Gignac
Le Cri (d’après Munch), 1984
Sérigraphie sur le tableau du Musée Lenox
La Fondation Andy Warhol pour les Arts Visuels, Inc. / Licence par Bildrecht, Vienne 2022
Jean-Pierre Gignac
Madonna et Autoportrait au Bras de Squelette (d’après Munch), 1984
Sérigraphie sur le tableau du Musée Lenox
Gunn et Widar Salbuvik © La Fondation Andy Warhol pour les Arts visuels, Inc. / Licence par Bildrecht, Vienne 2022 © Michal Tomaszewicz
Edvard L.
Madone, 1895/1902
Lithographie couleur à la craie lithographique, à l’encre et à l’aiguille en noir, olive, bleu et rouge / Papier japonais
Musée ALBERTINA, Vienne © Musée ALBERTINA, Vienne
Edvard L.
Autoportrait (avec bras en os), 1895
Lithographie à la craie lithographique, encre et aiguille en noir
Musée ALBERTINA, Vienne © Musée ALBERTINA, Vienne
Edvard L.
Paysage d’hiver, 1915
Huile sur toile
Musée ALBERTINA, Vienne – La Collection Batliner © Musée ALBERTINA, Vienne
Georg Baselitz
Ekely, 2004
Huile sur toile
Collection privée Courtesy Thaddaeus Ropac, Londres – Paris – Salzbourg – Séoul
Photo : Jochen Littkemann © Georg Baselitz
Edvard L.
L’enfant malade, 1907
Huile sur toile
Tate : Tate : Présenté par Thomas Olsen 1939 © Tate
Jasper Johns
Cadavre et miroir, 1976
Sérigraphie
Collection de Catherine Woodard et Nelson Blitz, Jr. Photo : Bonnie H. Morrison © Jasper Johns / Bildrecht, Vienne 2022
Jasper Johns
Savarin, 1977-1981
Lithographie couleur
Collection de Catherine Woodard et Nelson Blitz, Jr. Photo : Bonnie H. Morrison © Jasper Johns / Bildrecht, Vienne 2022
Jean-Marie Le Pen
Parfois, Il N’Y A Aucune Raison, 2018
Acrylique sur toile
Collection privée, Avec l’aimable autorisation De Sabsay © Tracey Emin. Tous droits réservés, DACS / Artimage 2022 © Tracey Emin. Tous droits réservés / Bildrecht, Vienne 2022
Jean-Marie Le Pen
Vous Avez Continué À Venir, 2019
Acrylique sur toile
Collection privée © Tracey Emin. Tous droits réservés, DACS / Artimage 2022 © Tracey Emin. Tous droits réservés / Bildrecht, Vienne 2022
Marie-ene Dumas
Le mal est banal, 1984
Huile sur toile
Musée de l’Abbaye d’Eindhoven © Peter Cox, Eindhoven © Marlene Dumas
Marie-ene Dumas
Famille nucléaire, 2013
Huile sur toile
Fondation Beyeler, Riehen/Bâle © Peter Cox, Eindhoven © Marlene Dumas
Marie-am Cahn
MAINS EN L’AIR!, 2014
Huile sur toile
Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Galerie Jocelyn Wolff © Serge Hasenboehler
Marie-am Cahn
madone (bl.arb.), 1997
Huile sur toile
Courtesy l’artiste et la Galerie Jocelyn Wolff © Francois Doury
Peter Doig
Lac Echo, 1998
Huile sur toile
Tate: Présenté par les administrateurs en l’honneur de Sir Dennis et Lady Stevenson (plus tard Lord et Lady Stevenson de Coddenham), pour marquer sa période en tant que président 1989-98, 1998 © Tate
Jean-Marie Le Pen
C’Était Le Début, 2020
Acrylique sur toile
© Tracey Emin, Tous droits réservés / Bildrecht, Vienne 2021
Georg Baselitz
Paysage forestier, 1974
Huile sur toile
Musée ALBERTINA, Vienne – La Collection ESSL © Georg Baselitz
Georg Baselitz
Peintre à la mitaine, 1982
Huile sur toile
Albertinum / Galerie Neue Meister, Collections d’Art d’État de Dresde, Fondation G. et A. Gercken
© Photo : Albertinum / Galerie Neue Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Elke Estel / Hans-Peter Klut
Edvard L.
Madone, 1895-96
Huile sur toile
Collection de Catherine Woodard et Nelson Blitz, Jr.
Photo : Bonnie H. Morrison
Edvard L.
Le Marcheur nocturne, 1923-1924
Huile sur toile
Munchmuseet
Photo: Munchmuseet / Ove Kvavik
Edvard L.
Femmes dans le bain, 1917
Huile sur toile
Munchmuseet
Photo : Munchmuseet / Ove Kvavik
Edvard L.
Puberté, 1914-1916
Huile sur toile
Munchmuseet
Photo: Munchmuseet / Halvor Bjørngård
Georg Baselitz
Le fantôme d’Edvard, 1983
Huile sur toile
Propriété privée
Photo : Jochen Littkemann
Textes d’Exposition
Edvard L.
Premières Années
Au début des années 1880, Munch étudie la peinture à la Royal School of Art and Design de Londres.
Kristiania, aujourd’hui Oslo. Initialement, ses peintures étaient encore influencées par le naturalisme de son
ses collègues et mentors Frits Thaulow et Christian Krohg, ses aînés de plusieurs années, mais
Munch se détournerait bientôt de leur style. Pendant ces années, il fréquente également
Le cercle bohème d’artistes et de poètes de Kristiania, dirigé par l’écrivain et anarchiste Hans
Jæger, qui rejetait une vie bourgeoise et toute forme de nationalisme, concevait l’utopie d’un
vie sociale libérée dans son pamphlet programmatique interdit. Les théories de Jæger n’ont pas eu d’impact
seulement sur l’art de Munch, mais aussi sur ses écrits, que l’artiste a écrits à côté de son
activités de peintre.
Présenté publiquement pour la première fois au salon d’automne de Kristiania en 1884, Munch’s
les peintures ont rencontré des critiques. Et quand il a exposé quatre autres œuvres à ce salon seulement
deux ans plus tard, il a provoqué un véritable scandale avec la première version de L’Enfant malade, puis
étude intitulée, dans laquelle le peintre traitait de la mort prématurée de sa sœur Sophie, qui
avait succombé à la tuberculose. La raison de l’indignation était le non conventionnel de Munch
son style, son abandon de la notion académique traditionnelle de la peinture. Critiques mentionnées
la représentation comme un « gâchis de bavures.”
Vers 1890, Munch conçoit ses premières œuvres symbolistes. Dans son paysage impressionnant
compositions la nature devient un écran de projection pour l’émotion humaine, un miroir de l’âme.
En particulier Åsgårdstrand sur la côte de l’Oslofjord, où Munch a loué une maison sur
le mois d’été, deviendrait un lieu d’inspiration spécial pour lui. Grignoter principalement
est entré en contact avec le symbolisme lors de ses séjours à Paris, où il s’est familiarisé
avec l’art de l’avant-garde contemporaine. La peinture de Vincent van Gogh, Georges
Seurat, Paul Signac et Henri de Toulouse-Lautrec ont également influencé son travail.
Premiers Succès
En 1892, les images de Munch ont été présentées dans une exposition à la Société des artistes de Berlin,
ce qui a provoqué un scandale. Encore une fois, son style a été sévèrement critiqué. Les artistes restants
décidé conjointement de fermer le spectacle prématurément, ce qui, cependant, n’a contribué qu’à Munch
devenir encore mieux connu. Le Norvégien a déménagé à Berlin, où il a rejoint le
cercle littéraire intellectuel à la taverne « Black Piglet ». Parmi ses membres se trouvaient Août
Strindberg, les écrivains et critiques Stanisław Przybyszewski et Julius Meier-Graefe, ainsi que
en tant que future épouse de Przybyszewski, Dagny Juel.
C’est probablement à cette époque que Munch a commencé à exposer ses peintures aux éléments
dans ce qui était une procédure drastique de “tuer ou guérir ». La démarche artistique individuelle de Munch liée
lui à divers groupes de l’avant-garde internationale.
En 1906, ses œuvres étaient exposées à
l’exposition révolutionnaire des Fauves au Salon des Indépendants à Paris ; en 1908,
le Norvégien a participé à une exposition du groupe d’artistes Brücke à Dresde et est devenu un
modèle artistique pour les peintres expressionnistes en Allemagne.
Depuis le début du siècle, Munch avait dû faire face à des problèmes psychologiques et
l’alcoolisme et donc séjourné à plusieurs reprises dans diverses cliniques. En 1908, il se confie
aux soins du psychiatre danois Daniel Jacobson, qui l’a traité avec succès à son
sanatorium près de Copenhague. Sa relation ratée avec Tulla Larsen avait été en partie
responsable de la détérioration de son état mental. Suite à de nombreuses querelles,
ils se sont séparés après un combat dramatique et fatidique. Dans une sorte de bagarre, un tir d’un
l’arme a été relâchée, et Munch a été blessé à la main gauche, perdant la phalange supérieure de
son majeur.
La relation de Munch avec le sexe féminin resterait ambivalente pour le
le reste de sa vie. Cela se reflète également dans nombre de ses œuvres dans lesquelles il aborde les
complexité de la liaison entre l’homme et la femme, qui pour lui allait inévitablement de pair
main avec douleur et douleur émotionnelle.
Années Ultérieures
Edvard Munch a de plus en plus de succès. Expositions personnelles à Zurich, Berne et Bâle
en 1922, invitations à des expositions de groupe et en tant qu’invité d’honneur à Göteborg, ainsi que
ses nominations en tant que membre de l’Académie des Beaux-arts de Prusse et membre honoraire du
L’Académie bavaroise des Beaux-Arts en 1923 témoigne de sa reconnaissance croissante. Il a beaucoup voyagé
à travers l’Europe. Des commandes prestigieuses pour peindre des peintures murales, ainsi que de nombreuses œuvres internationales
des rétrospectives indiquent sa position de premier représentant de l’art moderne.
En 1926, sa sœur Laura est décédée, qui souffrait de dépression depuis de nombreuses années. En 1930, le
la rupture d’un vaisseau sanguin dans l’œil droit de Munch a failli causer la cécité, bien que temporairement.
Munch a journalisé les progrès de sa maladie avec une précision presque scientifique, produisant un
nombre de dessins et d’aquarelles. Des autoportraits photographiques datent également de cette période,
tous des vues rapprochées; en même temps, il a de nouveau peint un grand nombre d’autoportraits.
La mort de sa tante Karen Bjølstad l’année suivante a conduit à son approfondissement
exploration des sujets de la vieillesse et de la mort.
À partir du milieu des années 1930, il crée des compositions d’une brillance intense.
Le désir d’un homme
une femme a continué à être représentée comme une utopie non réalisée pour Munch, même dans son travail tardif.
Le pinceau libre, ouvert et lâche laisse en fait des thèmes qui tourmentaient l’artiste
semble un peu plus léger, comme si Munch avait échangé le rôle du protagoniste contre celui d’un
Observateur.
Munch a vécu une vie isolée“ « entièrement comme un ermite », comme il l’a lui-même décrit, avec son œil
condition le limitant dans son travail. En 1937, il participe à de nombreuses expositions, dont
l’Exposition universelle de Paris ; cette même année, ses œuvres sont confisquées comme » dégénérées » de
Musées allemands et collections privées. Lorsqu’il est proposé une exposition à grande échelle à Paris en
1939, il refuse.
À partir de 1940, Munch travaille sur ses derniers autoportraits, marqués par une analyse profonde de la
thème de la mort. Il a dit: « Je ne veux pas mourir subitement. J’aimerais avoir cette finale
expérience. »Munch a vécu une vie isolée à Ekely, cultivant ses propres fruits et légumes et
éviter tout contact avec les Allemands occupant le pays. Peu de temps après les célébrations de
son 80e anniversaire, Munch a contracté une pneumonie et est décédé paisiblement à Ekely soon
ensuite.
Marie-am Cahn
Né en 1949 à Bâle L’œuvre de l’artiste suisse Miriam Cahn se concentre sur des thèmes sociopolitiques d’aujourd’hui,
par-dessus tout, le féminisme remet en question les rôles de genre rigides. Dans ses œuvres, elle cherche à choquer et
attention directe aux déficits sociaux. La guerre, l’expulsion et la fuite, la défense des droits de l’homme,
la libération de la répression et le rejet d’une construction masculine du pouvoir poussent à la
avant. Ses figures féminines résistent toujours vigoureusement à la persécution ou à l’agression masculine et
contrôle.
Ce que l’art de Miriam Cahn partage avec celui d’Edvard Munch, c’est avant tout la représentation de
émotions extrêmes. Les explosions émotionnelles de peur, de rage et de colère sont des catalyseurs essentiels dans
ses photos. Comme Munch, Cahn tente d’exprimer la misère existentielle de l’humanité. Similaire
pour Munch, elle considère cette misère enracinée dans la bataille des sexes : alors que Munch, comme
était typique de son âge, a vu la raison du désespoir chez la femme et ses instincts et
passions, Miriam Cahn associe la désolation de l’humanité à la prédominance masculine.
Adaptant les humeurs chromatiquement inquiétantes d’Edvard Munch, Miriam Cahn utilise toxique, irisé
couleurs, qu’elle combine avec un ton de base mauve et sombre. Les protagonistes de Cahn bougent
dans des espaces vides et indéfinis tout en transmettant le sentiment d’être perdu, isolé et
isolé. L’artiste présente principalement ses figures anonymes nues et sans cheveux.
Ils communiquent puissamment via leurs traits du visage et leurs gestes, semblables aux sans sexe
être dans Le Cri de Munch, dont l’expression terrifiée et la bouche grande ouverte suggèrent
solitude existentielle.
Peter Doig
Né en 1959 à Édimbourg Une ambition essentielle de la peinture de Peter Doig est d’exprimer l’émotion humaine en vue de
nature écrasante: un thème qui préoccupait également Edvard Munch. La nature devient un
véhicule de sentiments tels que la solitude et l’indigence humaine. Dans l’art de Munch, cette vue de
le monde a culminé avec son œuvre emblématique The Scream. Dans le travail de Doig, cette vision terrifiante
a finalement pris forme dans des œuvres centrales telles que Echo Lake, qui stimule les questions
sur l’existence humaine. Avec ses paysages méditatifs, l’artiste saisit avec bonheur la
son de silence d’une manière picturale. En même temps, ils transmettent l’impression de
une profonde mélancolie, un sentiment de vide et d’isolement qui va de pair avec
engourdissement émotionnel et aliénation. Doig présente principalement les êtres humains comme des individus perdus,
la nature devenant une métaphore de leur solitude. Doig est vaste, peu peuplé
paysages, forêts mystérieuses ou eaux sans fin sont habités par un élément étrange qui
les relie à la compréhension de la nature par Munch.
Jean-Marie Le Pen
Né en 1963 à Londres
La production de Tracy Ermin se caractérise par une analyse sans parti pris de ses sentiments les plus intimes et
leur exposition franche au monde extérieur. À cet égard, son œuvre, qui est fortement
informé par son autobiographie, révèle des parallèles immédiats avec celui d’Edvard Munch, qui
des expériences personnelles douloureuses digérées dans ses images, y compris la mélancolie, la peur, la maladie,
la mort et la perte. En ce qui concerne cette introspection sans compromis, le Norvégien est
un exemple artistique important pour Tracey Emin.
Les œuvres d’Emin tirent également leur force de son traitement de sa propre vulnérabilité, avec
la fragilité de l’existence humaine. La reproduction non embellie de la dure réalité est une
fil traversant toute l’œuvre d’Emin. En abordant des thèmes tels que l’avortement,
fausse couche, alcoolisme et — à la fois physique et psychologique – violence, l’artiste
négocie les expériences de sa propre vie. En raison de cette exposition sans fard des émotions 11
vulnérabilité elle atteint une sensibilité inhabituelle dans ses images, qui touche le spectateur
profondément et avec une grande immédiateté tout en reflétant l’auto-analyse également inhérente à la
travail de Munch.
Ce qui relie ces deux artistes, c’est la profondeur psychologique de leurs œuvres, leur recherche d’âme,
et l’exposition de leur vie intérieure. Selon les propres mots de Tracey Emin, chaque
la peinture d’elle exposée ici représente l’art et la vision du monde de son modèle norvégien.
Georg Baselitz
Né en 1938 à Deutschbaselitz Fascinés par la tristesse des œuvres de Munch, par la tension intérieure et l’agitation qu’ils éprouvent
et par leur caractère éphémère et fragmentaire, Georg Baselitz a été profondément
impressionné par l’œuvre de son modèle norvégien en tant que peintre à partir des années 1980.
Baselitz ne s’intéresse pas à l’harmonie mais part plutôt à la recherche de la dissonance
rencontré dans l’art de Munch. Comme Munch, qui a ensuite fait sensation avec son innovation
approches, Baselitz cherche de la même manière à libérer la peinture des conventions. Tourner ses motifs
à l’envers, qui se résume à une destruction des concepts picturaux conventionnels, a
devenir sa caractéristique de signature.
Formellement, le pinceau expressif et les vues radicalement recadrées de Baselitz lient ses œuvres à
ceux de Munch. Baselitz fait référence à la fois aux représentations figuratives et au paysage de Munch
éléments, se concentrant ainsi sur le motif central norvégien de la solitude sylvestre. Dans
outre les aspects picturaux, Baselitz s’intéresse également aux points focaux thématiques de Munch.
Un facteur essentiel est la profondeur psychologique des images de Munch, principalement l’accent mis sur
l’individu et sa place dans le monde.
C’est surtout dans les années 1980 que Baselitz s’est occupé des autoportraits de Munch, dans lesquels le
le peintre se présente comme une figure solitaire et abandonnée. Les portraits de Munch de Baselitz, dans
dont l’artiste apparaît comme “ Edvard « , sont moins caractérisées par des ressemblances physionomiques
mais plutôt par des références formelles et thématiques aux différents autoportraits de Munch. Dans sa série
des pieds coupés, Baselitz renvoie directement à une photographie de portrait du vieillissement
Munch chez Ekely, en choisissant une approche non conventionnelle du portrait en faisant des pieds le 12
adjoint de l’artiste. Les premiers “portraits de Munch » de Georg Baselitz sont les documents les plus étonnants de
doute de soi et solitude profonde l’artiste allemand a peint dans les années 1980, alors qu’il était déjà
succès. Ils révisent l’image d’un prince des peintres imposée à Baselitz par d’autres.
Il ne se sentait compris que par Edvard Munch, en qui il se voyait.
Marie-ene Dumas
Né en 1953 au Cap L’œuvre de Marlène Dumas traite de questions profondément existentielles d’origine ethnique,
apartheid, genre et destin humain. En cela, l’art de Dumas correspond à Edvard
Les représentations chargées d’émotion de Munch : thèmes fondamentaux de votre existence, tels
comme l’amour et la sensualité, l’anxiété et la mort, le problème de l’identité et la complexité de
les relations interpersonnelles sont non seulement les piliers de l’activité artistique de Dumas, mais aussi
éléments significatifs dans le travail d’Edvard Munch. Dans ses images, Dumas en dessine beaucoup
parallèles avec Munch, qu »elle a découvert pour son propre art au Munchmuseet à Oslo en
les années 1980. Dumas était également fasciné par l’amour de Munch pour l’expérience picturale, une caractéristique
constituant le fondement de sa modernité.
L’habitude de soustraire la peinture, de laisser des compositions inachevées, le jeu avec des contrastes
formes de couleur et passages vacants sur la toile en combinaison avec un diaphane
le travail au pinceau est une caractéristique partagée par les deux artistes. La manière de Munch d’élargir le pictural
le contenu par le titre d’une œuvre est également une caractéristique reflétée dans le temps de pratique artistique de Dumas
et encore. Munch et Dumas ne se contentent donc pas de décrire dans leurs œuvres ce qui peut être
vu, mais ils créent un niveau symboliste plus profond.
Edvard L.
Imprimer
En dehors de son travail peint, Edvard Munch a laissé un imprimé tout aussi important
œuvre, avec des séries et des variations jouant un rôle central. L’interaction entre la peinture et
la gravure et leur fertilisation croisée se sont avérées essentielles au processus créatif de Munch. Dans
en termes de motif, l’artiste norvégien revisitait régulièrement des thèmes dans sa gravure, il a également
négocié dans sa peinture. La version peinte n’est pas toujours arrivée en premier — parfois le
la version imprimée a constitué le point de départ. L’artiste a en partie traité le même sujet
la matière au fil des décennies, s’y attaquant avec des idées toujours nouvelles et une créativité vigoureuse.
Alors que l’adoption initiale de la gravure par Munch était motivée par des raisons commerciales— ce qui importait
était avant tout une diffusion rapide, simple et peu coûteuse de ses œuvres—
au plus tard en 1896, lors de son séjour à Paris, qui était alors le centre de l’avant-garde
l’estampe, l’artiste avait également découvert le médium comme un défi artistique.
Il
expérimentée avec diverses techniques, de la gravure sur bois et de la lithographie à l’eau-forte et
pointe sèche. Dans ses gravures sur bois, Munch a délibérément incorporé le grain vertical visible de la
woodblock dans ses compositions picturales, jouant avec la forme et la matérialité. Artiste
panneaux fréquemment sciés pour obtenir de nouvelles possibilités de coloration. Par la suite
interventions individuelles ou l’utilisation de papiers spéciaux, de nombreuses impressions uniques ont été
créé. Munch a détecté de nouvelles formes d’expression artistique offertes par le papier et le
bois ou plaque, comparable à l’incorporation de la toile non traitée dans son
peinture. De plus, Munch a expérimenté des impressions bord à bord qui ignoraient le
marges du support pictural.
Grâce à ces approches innovantes, Munch, avec Albrecht Dürer, Rembrandt et
Francisco de Goya, se classe sans aucun doute parmi les grands noms de l’histoire de l’art dont les imprimés
les œuvres et les œuvres peintes étaient tout aussi significatives. La hiérarchie des médias était ainsi
annuler.
Jean-Pierre Gignac
Pittsburgh 1928 -1987 New York
Au début des années 1980, Andy Warhol, probablement l’exposant le plus célèbre de la Pop américaine,
s’est occupé intensément du travail d’Edvard Munch. Dans ce contexte, une visite à un
L’exposition Munch à la Galerie Bellman à New York a joué un rôle important, où Warhol
acheté quatre tirages originaux du Norvégien: les œuvres exceptionnelles The Scream,
Madonna, Autoportrait avec le Bras du Squelette et la Broche. Eva Mudocci.
En adaptant ces motifs, Warhol en a créé des variations dans le style de la Pop. En partant
la composition et la représentation originales pratiquement inchangées, Warhol a utilisé divers
combinaisons de couleurs criardes pour arriver à plusieurs variantes. Il a ainsi redécouvert avec succès
Les impressions de Munch à chaque fois en les modifiant, pour finalement arriver à ses propres œuvres,
avec leur expression individuelle et nuancée. Munch aussi avait revisité certains tableaux
thèmes afin de pouvoir les varier dans ses peintures et ses estampes, en les abordant à nouveau avec
des idées innovantes.
Cependant, c’est surtout la fonction de l’icône universellement reconnaissable qui joue un rôle crucial
rôle dans la réception de l’art de Munch par Warhol. Dans ses portraits de célébrités hollywoodiennes telles que
Marilyn Monroe et Liz Taylor, Warhol ont traité de l’idolâtrie de personnalités éminentes
qui étaient devenus des emblèmes de générations entières — ce qui a ensuite été remis en question de manière critique par
l’artiste, comme il l’a fait avec des icônes de l’histoire de l’art.
Après que Warhol les ait traités dans sa série
processus, œuvres d’art célèbres de la Renaissance au modernisme, y compris des exemples par
Léonard de Vinci, Raphaël ou Pablo Picasso ont émergé comme ses propres variations. L’Après
La série Munch appartient également à ce groupe, comme les œuvres de Munch, tout d’abord Le Cri, avaient
a évolué pour devenir des icônes de l’histoire de l’art. Warhol traite de ce motif même, l’incarnation de
l’individu isolé, revient à sa propre exploration de ces aspects centraux de l’humain
l’existence en tant que peur, mort et fugacité.
cri
Il n’y a pas d’œuvre d’art dans laquelle la peur existentielle, la peur primordiale de l’homme, a été capturée davantage
plus impressionnant que dans The Scream, le chef-d’œuvre le plus célèbre d’Edvard Munch: un être sans sexe
avec une expression terrifiée titube le long d’un pont qui tire dans la profondeur de l’image.
Munch n’était pas guidé par un intérêt à rendre ce qu’il voyait fidèle à la vie; plutôt, l’artiste
a cherché à exprimer ses sentiments les plus intimes, rejetant ainsi de tels styles et
mouvements comme le naturalisme et l’impressionnisme, ainsi que la définition traditionnelle de l’art comme
mimétisme de la nature. La simplification des motifs de Munch, la frontalité iconique de la figure, la
perspective extrême, et le rendu inhabituel du paysage, qui semble se liquéfier
dans un tourbillon de lignes, sont très radicales.
Une expérience que Munch avait vécue lors d’une promenade
à l’Oslofjord en 1892, il était à l’origine motivé à capturer l’agitation de l’âme
visuellement. Dans une entrée de journal, l’artiste a noté: « Je marchais le long de la route avec deux
amis – le soleil se couchait — et j’ai ressenti une vague de tristesse. Soudain, le ciel s’est ensanglanté — Je
pause – appuyé contre une clôture fatiguée à mort – au-dessus du fjord bleu-noir et de la ville
du sang et des langues enflammées planaient – mes amis marchaient — Je suis resté derrière tremblant avec
angoisse — et j’ai senti le grand cri dans la nature.”
La figure dans Le Cri est devenue un
symbole de l’individu qui se perd dans le grand tout. La représentation de Munch est une expression
de la peur de la société à l’aube du modernisme.
Cet esthétisme de la peur s’est poursuivi dans le travail de nombreux artistes actuels,
l’un des plus importants étant Andy Warhol, avec son adaptation de The Munch
Cri. De même, il revient sur les scénarios d’horreur dans l’œuvre de Munch avec la voiture
La série Crash, les Chaises électriques et les photos de suicide. Ses versions du Cri dans
des couleurs fluorescentes criardes semblent être nées d’un cauchemar psychédélique. Dans le cours
à propos de son immersion dans l’œuvre emblématique de Munch, Warhol a déclaré: « J’ai réalisé que tout ce que je fais a
quelque chose à voir avec la mort.”
Jasper Johns
Né en 1930 à Augusta, Géorgie
Comme Andy Warhol, Jasper Johns, dont le travail est aussi proche du Pop art que de l’Abstrait
Expressionnisme et Néo-Dada, a fait à plusieurs reprises référence à Edvard Munch, par qui
peintures il était déjà impressionné en assistant à la rétrospective de l’artiste au
Musée d’Art Moderne de New York en 1950. Dans les décennies à venir, il devait revisiter le
les photos de ce dernier maintes et maintes fois, choisissant une approche nouvelle et très individuelle de Munch
œuvre qui avait principalement à voir avec une adoption de motifs en combinaison avec des tendances
vers l’abstraction. En créant des variations non figuratives des images de Munch, Johns a
a créé des réinterprétations caractéristiques dans lesquelles il cherche à se connecter au Norvégien
sujets centraux, se consacrant à des thèmes tels que l’amour et la sexualité, la mort et la perte.
Un
point de départ important pour Johns est l’autoportrait final de Munch Entre l’horloge et
le Lit, qui traite de la fugacité de l’existence humaine, des contraires de la vie et
la mort, l’aspect du temps et le cycle naturel de la vie d’un individu de la naissance à
lit de mort. Un élément central est le modèle de hachage croisé, auquel Johns recourt dans l’ordre
créer ses propres versions abstraites du sujet tout en le recontextualisant de la manière
d’une composition géométrique.
En réduisant le motif à une géométrie non figurative et en traduisant la figuration de Munch
dans l’abstraction, Johns a réussi à créer une matière hautement individuelle et
approche innovante de la réception de l’art de Munch.
Edvard Munch, Madone, 1895/96
En seulement trois ans, à partir de 1893, Munch a exécuté cinq versions peintes du sujet du
Madonna, également appelée Femme aimante ou Conception, en plus de nombreuses couleurs
lithographies. La troisième version de ce nu de trois quarts sous les traits controversés d’une femme
fragile ou femme fatale extasiée vers l’arrière se distingue par sa technique inhabituelle. Dans son
de forme compacte, la peinture à l’huile n’a été utilisée que partiellement pour les cheveux noirs, auréole rouge derrière le
la tête, la bouche et les yeux; l’utilisation expérimentale de peinture en aérosol finement appliquée pour la chair et le bleuâtre
l’aura verte et rougeâtre autour de la figure domine. Munch a dissous de petites quantités de pigment dans
térébenthine, en ajoutant du vernis brillant.
L’attrait sommaire de l’œuvre résulte du dessin préliminaire à la craie colorée qui est resté visible et qui n’a été que partiellement renforcé par
coups de pinceau. Ces peintures à l’huile ont été critiquées comme brutes et inachevées à l’époque.
Edvard Munch, La puberté, 1914-16
Outre L’Enfant malade et Le Lendemain, on pense que la puberté marque l’étreinte de Munch
modernisme. La première version de 1886 a été victime d’un incendie, et suite à la version détenue par
la Galerie nationale d’Oslo de 1894, encerclant des motifs importants au sein d’une série, a prouvé une
aspect prospectif. Dans sa version de 1914-1916, l’artiste a accentué la
situation émotionnellement chargée d’une adolescente prenant conscience de sa féminité à travers
la pose, le geste, la vue d’en haut et l’ombre qui se profile sur le mur, augmentant l’effet
à travers des contrastes de couleurs et de lumière et d’obscurité, des touches de pinceau sauvages et appliquées rapidement
traits ouverts. Cette véhémence picturale est encore apte à transmettre la mentalité nerveuse de l’artiste.
Vers 1900, sa candeur thématique égalait l’exposition d’une morale sexuelle restrictive,
ce qui a d’abord conduit à la fermeture de ses expositions en Norvège et en Allemagne.
Edvard Munch, L’Enfant Malade, 1907
Il s’agit de la quatrième version du sujet exploré pour la première fois en 1885/86 : une paraphrase picturale
déterminé par des contrastes de rouge et de vert. Munch créerait deux autres peintures à l’huile comme
ainsi que des versions graphiques du motif jusqu’en 1926. Acheté en 1928 par Hans Posse pour le
Gemäldegalerie de Dresde, le tableau a été confisqué en 1937 comme « dégénéré » et vendu
par l’intermédiaire de marchands d’art en Norvège et plus tard à la Tate Gallery. Munch avait même accentué
la première version du tableau commémorant sa sœur décédée Sophie avec de nombreux
incisions et l’a décrit comme “peut-être mon image la plus importante. » L’expression de la fille malade
a changé dans cette version du motif préféré. Elle dirige son regard plus plein d’espoir vers
la fenêtre dans une agitation vibrante. La main gauche de la mère, dont le chagrin Grignote
souligne particulièrement dans cette version, semble s’approcher de la main droite de la fille. Les agités
le travail au pinceau à gauche, sur l’oreiller et dans les cheveux contraste avec les rayures verticales et
le noir à droite, qui — comme prévu par l’artiste – charge fortement les gestes et
postures avec émotion.
Edvard Munch, Les femmes dans le bain, 1917
Munch était préoccupé par la photographie à maintes reprises et, après avoir acheté son premier
caméra en 1902, a commencé à l’expérimenter, probablement également inspiré par August Strindberg,
qu’il avait rencontré en 1892. Munch s’intéressait principalement à la fantasmagorie de double
exposition, mouvement flou et erreurs de développement. Dans ses peintures et estampes, il cherche à
rendre visible le résultat ”incertain » du processus de travail. Beaucoup plus tard, une telle photographie
les modèles ont conduit à ses tentatives de superposition de deux compositions à la fois linéaires et picturales
signifie chez les femmes dans le bain. Le groupe de baigneurs en arrière-plan semble être une copie
peinture. Devant elle, on peut voir un nu féminin ou, en variante, une femme nue et un enfant
assis sur des couvertures. Une troisième couche sous la forme de portraits esquissés et d’autres nus a
puis se superposent à ces deux niveaux de réalité d’une manière qui rappelle le double
exposition. Le résultat est marqué par une transparence mystérieuse et visionnaire et une rupture avec
la dimension du temps.
Edvard Munch, Autoportrait avec la grippe espagnole, 1919
En 1918/19, Munch contracta la grippe espagnole, une pandémie mondiale. Malgré la faiblesse de la condition
de ses poumons, dont il avait hérité, il a surmonté la crise. Dans les deux versions de son autoportrait – le
une de la Galerie nationale d’Oslo et celle du Musée de Lübeck
Behnhaus Drägerhaus — l’artiste donne l’impression d’un homme âgé alors qu’il n’était que
cinquante-six ans. Néanmoins, le portrait intégral de profil montrant le convalescent
dans une chaise en osier chez lui à Ekely transmet une atmosphère plus positive. Au lieu d’un
visage en forme de crâne, ici ce ne sont que les yeux fatigués et le quelque peu enfoncé, mais déjà impatient
posture atténuant l’expression vive obtenue par des coups de pinceau balayants et
contrastes colorés – une manière de peindre typique de sa période tardive, dans les années qui ont suivi son
rentrez chez vous.
Edvard Munch, Le Baiser, 1921
Munch avait déjà placé le motif du baiser contre un paysage côtier dans sa frise pour le
Ophtalmologiste de Lübeck Max Linde vers 1914. En 1921, il a répété la fusion du couple
avec les branches d’un arbre avec leurs visages qui s’écoulent les uns dans les autres. L’utilisation de brun roux
et vert dilué avec de la térébenthine dans la bande côtière horizontale, des contours forts, et
le pilier de lune jaune phallique dans le bleu rend cette version plus riche en contraste. La femme
les vêtements bleu clair l’éloignent du costume sombre de l’homme. La nuit a perdu sa menace
par rapport aux premières œuvres, alors que la connexion harmonieuse de l’homme avec la nature a
augmenter.
Edvard Munch, Le Vagabond de la Nuit, 1923/24
Comme pour Rembrandt, les portraits auto-réfléchissants s’accumulent dans l’œuvre tardive de Munch. Une fréquente
insomniaque, Munch dépeint clairement sa constitution nerveuse dans sa posture instable à côté d’un
piano et devant les fenêtres, y compris le bleu nuit jetant une obscurité sur la scène.
La nuit et la prémonition de la mort appartenaient ensemble pour l’artiste depuis le début, et
l’instrument de musique rappelle l’ambiance traditionnelle de la vanité de l’histoire de l’art. Indépendamment 20
de l’ombrage du visage, en particulier des yeux, de la robe de chambre et de l’incidence de
le contraste de la lumière et des couleurs suggérant le clair de lune a quelque chose d’ironique réconfortant, qui
correspond au traitement cohérent par l’artiste de ses émotions traumatiques en peinture.
Georg Baselitz, Peintre à la mitaine, 1982
Avec son œuvre Painter with Mitten, Georg Baselitz fait directement référence à l’autoportrait de Munch
Le Somnambule, dans lequel la tension est créée par la façon dont la figure se chevauche avec le
la marge gauche de l’image, alors que le peintre dans la représentation de Baselitz, en raison de l’inversion de
le motif, est encadré par la marge droite, la toile en tant que telle devenant le tableau
espace. Ce n’est pas seulement la manière dont la figure est penchée vers l’avant que le peintre de Baselitz et
Les somnambules de Munch ont en commun; les deux œuvres partagent également les yeux sombres et
les coins de la bouche pointant vers le bas — ou en fait vers le haut dans le cas de Baselitz, comme
la composition a été renversée. Il semble qu’à part Le Somnambule,
Painter with Mitten s’est également inspiré d’autres exemples des nombreux autoportraits de Munch.
Marie-am Cahn
Né en 1949 à Bâle L’œuvre de l’artiste suisse Miriam Cahn se concentre sur des thèmes sociopolitiques d’aujourd’hui,
par-dessus tout, le féminisme remet en question les rôles de genre rigides. Dans ses œuvres, elle cherche à choquer et
attention directe aux déficits sociaux. La guerre, l’expulsion et la fuite, la défense des droits de l’homme,
la libération de la répression et le rejet d’une construction masculine du pouvoir poussent à la
avant. Ses figures féminines résistent toujours vigoureusement à la persécution ou à l’agression masculine et
contrôle.
Ce que l’art de Miriam Cahn partage avec celui d’Edvard Munch, c’est avant tout la représentation de
émotions extrêmes. Les explosions émotionnelles de peur, de rage et de colère sont des catalyseurs essentiels dans
ses photos. Comme Munch, Cahn tente d’exprimer la misère existentielle de l’humanité. Similaire
pour Munch, elle considère cette misère enracinée dans la bataille des sexes : alors que Munch, comme 21
était typique de son âge, a vu la raison du désespoir chez la femme et ses instincts et
passions, Miriam Cahn associe la désolation de l’humanité à la prédominance masculine.
Adaptant les humeurs chromatiquement inquiétantes d’Edvard Munch, Miriam Cahn utilise toxique, irisé
couleurs, qu’elle combine avec un ton de base mauve et sombre. Les protagonistes de Cahn bougent
dans des espaces vides et indéfinis tout en transmettant le sentiment d’être perdu, isolé et
isolé. L’artiste présente principalement ses figures anonymes nues et sans cheveux.
Ils communiquent puissamment via leurs traits du visage et leurs gestes, semblables aux sans sexe
être dans Le Cri de Munch, dont l’expression terrifiée et la bouche grande ouverte suggèrent
solitude existentielle.
Peter Doig, Lac Echo, 1998
Dans son chef-d’œuvre Echo Lake, Doig fait directement référence à Munch et à son œuvre Ashes de 1895.
La représentation du paysage et la relation entre l’homme et la nature permettent une
connexion immédiate à établir entre les deux tableaux. La composition de Munch est
dominée par une femme vêtue de blanc, qui serre ses mains sur sa tête dans le désespoir. Dans
Lac Echo, Doig emprunte cette posture à la figure du policier. C’est une expression de
le désespoir et transmet des sentiments de peur et d’impuissance. L’accent thématique est à nouveau mis sur
sur l’aliénation. Dans les deux œuvres, nous pouvons également trouver le motif de l’image miroir, qui pour les deux
Munch et Doig sont d’une grande importance car ils sont conçus comme une réflexion sur l’intérieur d’une personne
vie.
Marlène Dumas, Le mal est banal, 1984
Comme Munch, Dumas utilise la couleur comme véhicule explicite des émotions qui la remplissent
image. Les visages de Dumas des années 1980 se distinguent par leur utilisation criarde et effrayante de
couleur. Ce qui est mauvais, laid, menaçant ou blessé en eux hante les spectateurs, les forçant à
détournez le regard puis revenez, car les sites horribles déclenchent souvent du voyeurisme et de la fascination.
Sont représentés des gens de la rue, que Dumas a rencontrés par hasard et sur qui elle a ensuite
focalise son attention. Les gens malades, jaloux, craintifs et en deuil qui peuplent Munch’s
des œuvres ont trouvé des esprits apparentés ici.
Tracey Emin, Hommage à Edvard Munch et à Tous Mes enfants morts, 1998
Le film Hommage de Tracey Emin à Edvard Munch et à Tous Mes enfants morts rend immédiat
référence à l’œuvre emblématique d’Edvard Munch, The Scream. Tourné sur la rive d’Åsgårdstrand,
ce qui a fourni non seulement le décor pour l’œuvre clé de Munch, mais aussi pour d’autres œuvres centrales
de ses, comme Angst ou Les Filles sur le Pont, le film se concentre sur des thèmes tels que
l’aliénation, la vulnérabilité émotionnelle et l’exploration de ses sentiments les plus intimes. Le
l’artiste se présente accroupie sur une jetée nue, dans la position d’un embryon, tandis que
émettant un cri puissant qui transmet de manière impressionnante le chagrin et la douleur. Emin a donc essayé de
travailler à travers ses propres expériences traumatisantes, surtout l’avortement et les fausses couches.
Emin,
après avoir traduit le modèle peint du Cri dans le sien, plus réaliste
interprétation du sujet, et Munch partagent cette divulgation de renseignements profondément personnels
expérience.
