Matisse dans les années 1930

Affron a déclaré “  » Parce que cette décennie de transformation dans la carrière de Matisse n’a jamais été traitée dans une exposition autonome auparavant, les visiteurs auront une occasion rare de s’immerger dans le processus même par lequel Matisse a généré une nouvelle approche créative et une nouvelle perspective dans la dernière partie de sa carrière, tout en assistant à la production radicalement revitalisée qui a suivi sa visite mouvementée à Philadelphie en 1930. Ce n’est qu’à travers un tel partenariat institutionnel que nous pourrons raconter cette histoire de manière aussi vivante, car chacun de nos musées collaborateurs est unique et profondément lié à Matisse. Entre les œuvres exposées au Philadelphia Museum of Art et les collections complémentaires de la Fondation Barnes, Philadelphie sera cet automne une ville particulièrement excitante pour découvrir l’art extraordinaire de Matisse.”

Henri Matisse « Le Rêve » 1935. 31 7/8 × 25 9/16 × 7/8 pouces (81 × 65 × 2,2 cm). Huile sur toile. Centre Pompidou, Paris, AM 1979-106. © 2022 Succession H. Matisse / Société des droits des artistes (ARS), New York.

« Matisse a passé la majeure partie de sa vie à Nice, et la splendeur méditerranéenne imprègne son œuvre”, a ajouté Claudine Grammont. « Il est revenu des États-Unis en France avec une vision élargie du monde qui a eu des effets durables, car les années 30 rajeunissaient pour ce pionnier de la modernité. Une nouvelle « carte » matissienne a été dessinée avec la commande d’une fresque pour la Fondation Barnes: c’est donc entre Philadelphie et Nice que court l’axe principal de ces années décisives. Le Musée Matisse de Nice, dont la collection est riche en art lié à cette période de création, est particulièrement heureux de collaborer avec le Philadelphia Museum of Art et le Musée de l’Orangerie pour démontrer le puissant renouveau de l’œuvre de l’artiste au cours de cette période clé.”

Cécile Debray a dit: “Dance (1931-33), la décoration de Matisse pour la Fondation Barnes, est étroitement liée au retour de l’artiste à un style moderniste dans les années 1930. Ces années, lorsque Matisse s’inspire de ses voyages aux États-Unis, lorsqu’il est promu à Paris par le journal Cahiers d’art, a affronté Picasso à la galerie Paul Rosenberg alors que ses peintures radicales d’avant la Première Guerre mondiale étaient vues chez Paul Guillaume, a aidé à l’organisation de différentes expositions rétrospectives et a travaillé sur son art à Nice, est entré dans l’histoire comme le creuset d’une fascinante transformation moderniste.  

“Nos trois musées de Philadelphie, Paris et Nice offrent une opportunité spéciale et très attendue pour une nouvelle exposition sans précédent sur cette décennie. Avant tout, la collaboration marque une amitié. Je voudrais saluer Claudine Grammont et Matthew Affron, mes amis et collègues.”

Une Décennie Charnière
En 1930, Matisse avait acquis une renommée internationale significative, et pourtant il se trouvait dans un profond marasme créatif. Une douzaine d’années auparavant, il avait transféré sa base d’opérations de Paris à Nice. Là, il s’était concentré sur le thème des modèles féminins dans des décors de studio richement décorés baignés de la lumière cristalline et constante de la Méditerranée. Face à la séduction de cette œuvre, certains critiques se demandaient si Matisse, qui avait été une force si radicale dans la peinture moderne, avait perdu son côté expérimental. À la fin des années 1920, Matisse lui-même avait développé des doutes et, pendant quelques années, il n’a produit presque aucune nouvelle peinture. Le tournant est survenu à l’automne 1930, lorsque l’artiste a visité la Fondation Barnes dans la banlieue de Philadelphie et a reçu la commande d’une peinture murale en trois parties, Dance.

Matisse a utilisé cette commande pour transformer son travail. Par la suite, il est revenu à la peinture de chevalet avec de nouvelles procédures et une nouvelle approche. Il a commencé à utiliser la photographie systématiquement pour documenter le processus cumulatif de construction de ses motifs et pour tester ses propres réactions au fur et à mesure. Il a également commencé à utiliser des papiers découpés précolorés pour planifier ses compositions; cette procédure l’a éloigné de l’illusion de la modélisation et de l’espace profond et vers un style de tons plats et de formes audacieuses qui ont donné à ses compositions des années 1930 un nouvel impact.  

Matisse dans les années 1930 rassemblera un riche éventail d’œuvres de collections publiques et privées aux États-Unis et en Europe. Il explorera les changements de style remarquables qui ont suivi la découverte par Matisse de différentes manières de travailler à travers les médiums de la peinture de chevalet et décorative, de la sculpture, de la gravure, du dessin et du livre illustré. L’exposition démontrera que ce qu’il a réalisé au cours des années 1930 ne représentait rien de moins qu’une revitalisation totale de sa vision artistique.

Organisation de l’exposition
Le récit est organisé chronologiquement, avec un prélude appelé Intérieurs et Odalisques cela regarde la soi-disant période de Nice de Matisse de 1917-30. Cette section se concentrera sur la représentation par l’artiste de modèles d’atelier, souvent dans des décors remplis de textiles décoratifs et d’autres objets de diverses régions du monde islamique visités par Matisse; il présentera des œuvres aussi importantes que Les Trois Soeurs (1917, Musée de l’Orangerie) et Femme avec un Voile (1927, Museum of Modern Art), qui offrira aux téléspectateurs l’occasion d’examiner la tentative de Matisse de synthétiser le design décoratif, la mode et la sensualité de la figure féminine en un idiome esthétique moderne, un effort très débattu à la fois en son temps et plus récemment.années.

La deuxième section se penchera sur la revitalisation de son art par Matisse à travers deux projets parallèles: la fresque de Barnes, qui était sa première et unique occasion de réaliser une décoration peinte pour un espace architectural spécifique, et son premier grand livre illustré, une édition de poèmes de l’influent poète symboliste Stéphane Mallarmé (1842-1898), qui évoquait un monde de l’Antiquité rempli de rêve et de plaisir. Cette section mettra en évidence une pléthore d’études pour la fresque au crayon, à la gouache et à l’huile prêtées par le Musée Matisse de Nice, y compris la fresque de près de onze pieds de haut Dessin à l’échelle de la Figure centrale de la Fresque de Barnes (1930–31). Pour transmettre davantage le processus de réalisation de cette peinture murale, qui reste en permanence logée à la Fondation Barnes à proximité du Philadelphia Museum of Art, l’exposition comprendra un court film amateur montrant Matisse au travail sur le design massif dans le garage loué à Nice qui lui servait d’espace de travail, comme son chien Raudi bounds fringamment.

Le visiteur rencontrera ensuite une section appelée Artiste et modèle qui examine le passage de Matisse à un style audacieux et élémentaire dans les dessins et les peintures de chevalet de la figure nue. Un premier exemple est Grand Canapé Inclinable (1935, Baltimore Museum of Art), qui illustre l’utilisation puissante par l’artiste de formes plates pour sublimer la sensualité du sujet dans l’orchestration de la composition. La section suivante, Décorations Peintes, examinera l’engagement continu de Matisse avec un mode décoratif et architectural à travers ses expériences dans le genre des dessins animés de tapisserie peints. Un exemple spectaculaire, Nymphe dans la Forêt (Verdure) (1935-42/43, Don de Madame Jean Matisse à l’État français en dépôt au Musée Matisse de Nice, 1978, Musée d’Orsay), occupera l’attention de Matisse pendant huit ans et deviendra pour lui une véritable pierre de touche artistique. La section suivante, Travailler dans le Studio, suivra le développement de Matisse à partir de 1936 d’une série d’images de mannequins posant en tenue européenne à la mode. Le décor visible de l’intérieur du studio—avec des bouquets, des miroirs, des œuvres d’art et de grandes plantes succulentes—a soutenu le concept décoratif de l’image de Matisse. Une image clé dans cette section est Femme en Bleu (1937, Philadelphia Museum of Art), qui représente Lydia Delectorskaya (1910-1998), secrétaire et directrice d’atelier de Matisse, et à cette époque, son modèle principal, vêtue d’un corsage en soie à volants avec bordure en dentelle et jupe assortie qu’elle a fabriquée à la demande de l’artiste. Cet ensemble a inspiré le design visuel audacieux de Femme en Bleu; la jupe réelle sera affichée à côté la peinture pour souligner la collaboration productive entre le modèle et l’artiste.

Une section compacte appelée Une Murale en Mouvement signalera l’importance continue pour Matisse à la fin de la décennie de sa peinture murale Dance. En 1938-39, Matisse collabore avec les Ballets Russes de Monte-Carlo à la création d’un ballet appelé Rouge et Noir (aussi connu sous le nom Étrange Farandole après une danse traditionnelle provençale qui avait inspiré de nombreuses œuvres de l’artiste). Matisse a conçu les costumes, le rideau de scène et une toile de fond disposée dans trois voûtes pour faire distinctement écho à la peinture murale de Barnes. Les danseurs costumés ont fourni l’élément mobile de la performance. Cette section présentera l’une des études d’un danseur que Matisse a réalisées avec des papiers découpés précolorés-une technique qu’il utilisait strictement pour l’opportunité dans sa pratique en studio, mais qui allait s’épanouir dans les années 1940 en une procédure artistique à part entière. Un film de la troupe en spectacle Rouge et Noir réalisé par un critique de danse américain à Chicago en 1939 contribuera à donner vie à ce ballet moderne peu connu dans l’exposition.

Le récit de Matisse dans les années 1930 se termine par un épilogue centré sur un tournant majeur survenu peu après la fin de la décennie. En janvier 1941, Matisse subit une opération risquée pour un cancer de l’abdomen; après ce coup de pinceau avec la mort, il a parlé de se lancer dans une seconde vie artistique. Au début, il peint peu, mais se concentre plutôt sur un effort majeur de dessin: un corpus de 158 dessins de modèles en atelier et de natures mortes de fruits et de fleurs connues sous le nom de Thèmes et Variations. L’épilogue de l’exposition mettra en lumière deux séries complètes de Thèmes et Variations dessins-ainsi qu’une petite sélection de peintures contemporaines sur les mêmes sujets—comme la somme de Matisse de ce qu’il avait accompli au cours des dix années précédentes. Avec leur approche sérielle et ouverte-comme dans Thème P, qui représente une femme dans une robe plissée dans une variété de poses—le Thèmes et Variations a confirmé que, alors que les années 1930 se tournaient vers les années 1940, la notion de processus créatif de Matisse privilégiait le flux de perceptions et d’émotions éphémères à la déclaration définitive et complète.

Catalogue Scientifique
Matisse dans les années 1930 est publié par le Musée de l’Orangerie/Musée d’Orsay et le Philadelphia Museum of Art en association avec Yale University Press. Les essais des commissaires organisateurs de l’exposition, Matthew Affron, Cécile Debray et Claudine Grammont, sont accompagnés de contributions d’éminents chercheurs des deux côtés de l’Atlantique. Il s’agit de la première publication à présenter un examen approfondi de cette période clé qui a vu des développements innovants dans la fabrication d’images de Matisse, y compris l’utilisation de papiers découpés précolorés pour disposer et retravailler ses compositions, et l’utilisation de la caméra dans son développement de pratiques et processus sériels. Le volume se penchera sur la relation entre Matisse et la revue d’art parisienne Cahiers d’art, qui a joué un rôle clé dans la publicité de l’œuvre de Matisse au cours de cette période et dans la perception de son art par le public. Il comprendra également une chronologie illustrée de Matisse et de son travail dans les années 1930. Matisse dans les années 1930 (256 p.; 75 illustrations couleur + 75 illustrations n/b) sera disponible en octobre 2022 dans la boutique du Musée (tissu, 50$). ISBN: 978-87633-299-3.

Organisation
Matisse dans les années 1930 est co-organisé par le Philadelphia Museum of Art, le Musée de l’Orangerie à Paris et le Musée Matisse à Nice. Chacune de ces trois institutions a un lien important avec l’art de Matisse et contient de riches collections de son art de cette période, ce qui en fait des partenaires naturels pour cette exposition unique en son genre. En France, le sujet sera considéré en termes de promotion de l’œuvre de Matisse par la revue d’art parisienne Cahiers d’art, tandis que le Philadelphia Museum of Art présentera une étude complète de l’œuvre de Matisse au cours de cette décennie. 

Soutien
À Philadelphie, l’exposition est rendue possible par le Fonds de la Fondation Annenberg pour les Grandes Expositions, le Comité des Femmes du Musée d’Art de Philadelphie, le Fonds Gloria et Jack Drosdick pour les Expositions Spéciales, le Fonds Harriet et Ronald Lassin pour les Expositions Spéciales, le Fonds Jill et Sheldon Bonovitz pour les Expositions, Robbi et Bruce Toll, et la Fondation Gladys Krieble Delmas.

Un soutien promotionnel a été fourni par PHLCVB et Visit Philadelphia.

Itinéraire