Vente aux enchères du Soir moderne de Sotheby’s le 17 mai: Claude Monet, Pablo Picasso, Philip Guston

Pune naissance en avril 1932, il y a 90 ans jour pour mois, Femme nue couchée est l’une des représentations les plus monumentales et les plus sensuelles de Marie-Thérèse Walter de Pablo Picasso. Présentée pour la première fois aux enchères, la peinture à grande échelle devrait atteindre plus de 60 millions de dollars lors de la vente aux enchères Modern Evening de Sotheby’s le 17 mai, ce qui en fait l’un des portraits les plus précieux de Marie-Thérèse Walter jamais proposés aux enchères.

Marie-Thérèse a inspiré nombre des plus grandes œuvres de Picasso, avec 1932 – l’année où il a finalement pu donner toute la voix picturale à sa passion – largement considérée comme son « annus mirabilis ». La production de Picasso cette année-là était si extraordinaire qu’une exposition entière du musée lui a été consacrée (“Paris 1932”, à la Tate Modern en 2018). Et si les œuvres de ce moment se distinguent par leur créativité et leur humeur joyeuse, ce qui les marque peut-être le plus, c’est l’intensité du désir qui les sous-tend. (En fait, la partie française de l’exposition au Musée Picasso s’appelait « Paris 1932: année érotique ».)

Femme nue couchée Une réalisation monumentale dans l’Œuvre de Picasso et l’Histoire du Portrait, Est sur le point de réaliser plus de 60 millions de dollars

PHOTOGRAPHIE DE JULIAN CASSADY

Mais parmi les nombreux portraits de Marie-Thérèse peints par Picasso cette année-là, cette image particulière se démarque: c’est une composition unique et convaincante qui est radicalement différente, à la fois de tout ce qui se trouve dans son œuvre et de la tradition plus large de l’histoire de l’art du nu féminin couché. Dans cette œuvre, Picasso évoque Marie-Thérèse avec les membres forts et sensuels d’une créature marine ressemblant à des nageoires. Bien qu’il ait continué à rendre les amants ultérieurs sous forme animale, l’allusion à la mer est ici significative: Marie-Thérèse était aussi une nageuse passionnée et accomplie dont la grâce puissante et athlétique dans l’eau était une source de fascination constante pour Picasso (ce qui était peut – être d’autant plus séduisant pour lui, étant donné que – pendant tout le temps qu’il a passé sur la plage enfant et par la suite-il n’a en fait jamais appris à nager). En plus de cela, les jours les plus chargés de leur relation florissante ont été passés au bord de la mer: à l’été 1928, Picasso a emmené sa femme d’alors Olga et son fils Paulo au bord de la mer à Dinard. À leur insu, il a également installé son amoureuse Marie-Thérèse, alors encore secrète, dans un camp de vacances à proximité, « s’enfuyant », chaque fois que cela était possible pour des rencontres romantiques secrètes au bord de la mer.

“Les portraits de Picasso de sa muse dorée Marie-Thérèse sont des caractéristiques indéniables de l’art du 20e siècle. Lorsqu’il est dévoilé lors de sa rétrospective de carrière en 1932, ce cycle d’œuvres monumentales scintille avec leur représentation extatique romantique et sensuelle de la maîtresse jusque-là séquestrée de Picasso. S’écartant radicalement de la tradition, ce tableau saisissant est en même temps une ode profondément lyrique au désir illimité de l’artiste pour Marie-Thérèse; avec ses membres fins et infiniment souples, le portrait continue d’enchanter car il capture parfaitement la muse de Picasso comme l’expression ultime de son génie.”

BROOKE LAMPLEY, PRÉSIDENTE DE SOTHEBY’S ET RESPONSABLE MONDIALE DES VENTES MONDIALES DE BEAUX-ARTS
PHOTOGRAPHIE DE JULIAN CASSADY

De plus, un amoureux de la mer (‘Je suis un enfant de la mer; j’aspire à m’y baigner, à avaler l’eau salée’) et un cinéphile passionné, Picasso pourrait bien avoir été influencé dans cette composition par le chef-d’œuvre surréaliste de Jean Painlevé de 1928, La Pieuvre, “une lettre d’amour captivante à l’une des créations les plus intelligentes et énigmatiques de la nature.

S’appuyant sur la lignée du nu couché dans l’histoire de l’art, Picasso Femme nue couchée offre une nouvelle approche audacieuse de la tradition, bouleversant le naturalisme pour les formes biomorphiques du surréalisme et une approche curviligne dérivée de sa pratique sculpturale simultanée, qui allait s’avérer très influente pour les générations d’artistes à venir.

Au début de 1932, Picasso prévoyait une grande rétrospective prévue pour juin, et en préparation de l’exposition a commencé sa première série de peintures dédiées représentant sa muse et maîtresse Marie-Thérèse Walter dans l’isolement de sa nouvelle maison de campagne de Boisgeloup. Dans Femme nue couchée achevé au cours de cette période, Picasso a tracé un nouveau territoire avec son portrait de Marie-Thérèse, non seulement dans son propre corpus d’œuvres, mais dans l’histoire de la figure nue avec sa représentation d’elle allongée dans un espace hautement abstrait, mettant en évidence sa figure biomorphique avec des touches de fertilité, de sexualité et de grâce. Comme une œuvre marquante au sein de Picasso œuvre et sa célèbre série achevée en 1932, ainsi qu’un exemple charnière dans l’histoire du portrait, Femme nue couchéel’arrivée de Picasso aux enchères pour la première fois ce printemps marque un moment important dans l’héritage inégalé de Picasso sur le marché de l’art.

« En tant que l’un des points forts de l’exposition de classe mondiale de la Tate Modern consacrée à 1932 en tant qu’année charnière pour Picasso, Femme nue couchée est une œuvre révolutionnaire et extraordinairement sensuelle qui est restée dans la succession de l’artiste pendant des décennies avant son acquisition directement de la famille de l’artiste . Marquant la première fois que ce tableau apparaîtra aux enchères, notre Vente du soir Moderne sera un moment déterminant pour solidifier 1932 comme l’une des périodes les plus importantes et les plus recherchées de Picasso.”

HELENA NEWMAN, RESPONSABLE MONDIALE DE L’ART IMPRESSIONNISTE ET MODERNE CHEZ SOTHEBY’S
PHOTOGRAPHIE DE JULIAN CASSADY

L’histoire de la première rencontre de Picasso avec Marie-Thérèse, et de leur histoire d’amour subséquente, est parmi les plus fascinantes de l’histoire de l’art du 20e siècle. Picasso a rencontré Marie-Thérèse pour la première fois à Paris en 1927 alors qu’elle avait dix-sept ans. La relation du couple a été gardée secrète pendant de nombreuses années, à la fois en raison du fait que Picasso était alors encore marié à Olga Khokhlova, une danseuse russo-ukrainienne rencontrée en tournée avec Diaghilev, et en raison de l’âge de Marie-Thérèse. C’est au cours de ces mois précédents qu’il a d’abord braqué ses projecteurs artistiques sur la blonde voluptueuse. Jusque-là, Picasso n’avait fait référence à sa liaison extraconjugale avec Marie-Thérèse que dans le code, l’intégrant parfois symboliquement dans une composition ou rendant son profil indubitable comme une caractéristique de l’arrière-plan. Mais à la fin de 1931, Picasso ne pouvait plus réprimer l’impulsion créatrice que son amant inspirait, et à Noël 1931 et au début de 1932, Marie – Thérèse est apparue, pour la première fois, sous une forme langoureuse et pleinement reconnaissable dans son œuvre.

Pour Picasso, Marie-Thérèse offrait un amalgame sensuel de l’amant, du modèle et de la déesse, et serait jouée dans de nombreux rôles tout au long de son œuvre. À Boisgeloup, Picasso consacre de plus en plus son temps et son énergie créative à la sculpture, notamment un certain nombre de bustes en plâtre et des portraits nus allongés de Marie-Thérèse. L’influence de ce milieu est visible dans Femme nue couchée dans la force sculpturale monumentale avec laquelle Picasso dépeint le corps féminin. Dans le même temps, l’état psychologique de la femme endormie résonne dans le modelage doux de la silhouette, créant une atmosphère de rêverie et d’abandon insouciant. Cherchant à transmettre son désir érotique, Picasso génère des permutations morphologiques et des distorsions de l’anatomie féminine. Abandonnant toute tentative de naturalisme, il crée une figure composée de formes biomorphiques, une technique qui s’est développée à partir de ses œuvres surréalistes antérieures.

Le traitement de la figure féminine par Picasso est sans aucun doute enraciné dans la grande tradition du nu couché dans l’histoire de l’art, à la suite de ses prédécesseurs Goya, Ingres et Manet, entre autres. Pourtant, la nouvelle approche choquante de l’artiste sur le nu et la sexualité franche fournirait une influence à certains des plus grands artistes des générations à venir.

« Il y a eu de nombreuses années remarquables dans la longue carrière dramatique de Pablo Picasso, mais 1932 s’avère particulièrement mémorable. En cette « année des merveilles », Picasso a produit les représentations les plus sensuelles de sa grande muse et amoureuse Marie-Thérèse Walter, qui inspirera certaines des images les plus emblématiques de l’artiste. Dans Femme nue couchée, elle est présentée avec un puissant mélange de sensualité et de naïveté juvénile, et annonce un tournant créatif majeur pour Picasso car il ne voulait plus cacher sa passion et son affaire.”

JULIAN DAWES, RESPONSABLE DE L’ART MODERNE CHEZ SOTHEBY’S, AMÉRIQUES

Calendrier de L’Exposition
Hong Kong 8-12 avril
Londres 20-24 avril
New York 6-17 mai


La vente coïncide avec la Rétrospective très attendue du Musée &

Apparition de Deux Autres Œuvres Majeures chez Sotheby’s cette Saison

PHILIP GUSTON, NIL

« Peu d’artistes ont exprimé une telle profondeur de gamme dans leur pratique artistique que Philip Guston, dont le travail s’étendait des peintures murales de l’ère de la Dépression aux sommets de l’expressionnisme abstrait dans les années 1950 jusqu’à une résurgence figurative ultérieure qui mettait en valeur sa perspective unique. Dans Nil, les incroyables sensibilités de Guston à la composition sont pleinement exposées, et la peinture n’est pas seulement une réalisation historique au cours de la plus grande période de transformation de sa carrière, mais aussi dans l’évolution de l’art abstrait d’après-guerre.”

Michael Macaulay, Vice-Président Senior de Sotheby’s, Art Contemporain

Faisant sa première apparition publique en quatre décennies ce vendredi aux New Bond Street galleries de Sotheby’s à Londres, le chef-d’œuvre expressionniste abstrait de Philip Guston, Nile de 1958, est une œuvre monumentale qui représente le summum de la pratique abstraite de Guston, et fait partie du petit groupe d’œuvres qui ont établi la réputation de Guston comme l’un des artistes de premier plan de l’art du 20e siècle. Mis aux enchères pour la première fois ce printemps dans la Vente aux enchères du Soir Moderne de Sotheby’s, Nile sera proposé en tandem avec plusieurs autres œuvres exceptionnelles de la période figurative ultérieure de l’artiste dans la vente aux enchères du soir contemporain, marquant un moment important pour le marché pour célébrer l’héritage de l’artiste en tant que maître indéniable de la période d’après-guerre qui coïncidera avec l’ouverture très attendue de la rétrospective Philip Guston Now au Museum of Fine Arts de Boston en mai.

Pendant plus de 40 ans, le tableau est resté dans la collection de Peter et Edith O’Donnell de Dallas, au Texas, et sera vendu en mai au profit de la Fondation O’Donnell, dont l’éthique philanthropique perpétue l’héritage désintéressé de Peter et Edith de faire progresser avec passion un large éventail de causes de l’enseignement supérieur; innovations en science, technologie, ingénierie et mathématiques; programmes de recherche médicale et de santé publique; et un éventail d’initiatives artistiques et culturelles. Depuis la création de la Fondation en 1957, les O’Donnell ont reçu de nombreuses distinctions pour leurs contributions extraordinaires et transformatrices, qui ont totalisé à ce jour plus de 900 millions de dollars pour un éventail de causes extraordinaires. Des œuvres supplémentaires de la collection O’Donnell seront proposées chez Sotheby’s en mai 2022 pour soutenir la Fondation.

Sur les 29 œuvres produites par Guston entre 1956 et 1960, le summum de sa production expressionniste abstraite, il y en a 10 qui se démarquent des autres en tant que chefs-d’œuvre incontestés. Nil est l’une de ces dix toiles exemplaires, et l’une des trois seules qui restent entre des mains privées. Les sept œuvres supplémentaires sont conservées dans les collections du Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Musée d’art Mildred Lane Kemper, Saint-Louis; Musée Hirshhorn et Jardin de sculptures, Washington, D. C.; Musée d’Art Moderne de San Francisco (cadeau promis); La Collection Phillips, Washington, D. C.; et Le Musée des Beaux-Arts, Houston.

L’œuvre à grande échelle est estimée à 20/30 millions de dollars lors de la vente aux enchères Sotheby’s Modern Evening le 17 mai – marquant l’estimation la plus élevée jamais placée sur une œuvre de l’artiste.

Le Nil de Philip Guston

Estimation 20/30 millions de dollars

Exécuté au cœur de la période abstraite estimée de l’artiste à la fin des années 1950, Nile incarne la période de transformation la plus radicale de Guston, lorsqu’il a développé une méthode de travail innovante qui a radicalement affecté sa production. En tant qu’étudiant dévoué de la Renaissance italienne, voyageur et lecteur prolifique, connaisseur de musique et passionné de cinéma, Guston était un formidable polymathe dont l’art a émergé de sa connaissance approfondie de l’histoire de l’art, ainsi que d’un réservoir d’expériences et d’inspirations diverses, y compris son travail avec l’ère de la Dépression WPA et en tant que participant fondateur de la pionnière École de New York.

C’est au cours de sa période avec ses pairs de l’école de New York que Guston a développé sa technique et son style de signature qui sont incarnés par Nile. Alors que ses contemporains expérimentaient l’augmentation de la taille de leurs toiles pour créer des expériences immersives ou l’augmentation de la taille de leurs gestes, Guston augmentait sa propre proximité avec le plan de l’image. Travaillant si près qu’il a perdu tout sens de l’espace et de la profondeur – parfois assez près pour que des éclaboussures de peinture lui pénètrent dans les yeux – Guston a forgé un nouveau type d’intensité picturale, atteignant son apogée dans le Nil.

Nile arrive aux enchères à un moment d’intérêt renouvelé pour l’œuvre de Guston. La vente aux enchères de la soirée contemporaine mettra en vedette deux de ses œuvres figuratives ultérieures, Remords et Studio Celebration. Pris ensemble, les enchères marquee de mai présenteront un aperçu approfondi du meilleur de sa pratique.

Le Nil apparaîtra dans une exposition publique pour la première fois en plus de quarante ans lorsqu’il sera exposé dans les galeries Sotheby’s de Londres du 8 au 13 avril, suivi de Hong Kong du 24 au 27 avril, avant de revenir à New York du 6 au 17 mai pour une exposition avant notre vente aux enchères du Soir Moderne le 17 mai.

Fdes grands chefs-d’œuvre impressionnistes de Claude Monet aux toiles modernistes révolutionnaires de Pablo Picasso et Philip Guston, la vente aux enchères Moderniste réunira des œuvres qui illustrent l’esprit intrépide d’innovation artistique du 19e et du début du 20e siècle. Retraçant les origines et l’accomplissement de l’abstraction de l’impressionnisme au Pointillisme, au Cubisme, à l’expressionnisme abstrait et au-delà, la vente de mai mettra en lumière les développements artistiques critiques des 150 dernières années, unissant ces chefs-d’œuvre qui définissent l’histoire de l’art telle que nous la connaissons aujourd’hui.

La vente aux enchères du soir moderne est mise en évidence par l’un des Claude Monetles plus grands chefs—d’œuvre-la représentation visionnaire de Venise à partir de 1908, Le Grand Canal et Santa Maria della Salute. Peint lors du seul voyage de l’artiste à La Sérénissime, cette œuvre capture la majesté d’une ville que Monet appelait autrefois “trop belle pour peindre.” Le plus bel exemple de la série limitée peint depuis les marches du Palazzo Barbaro, Le Grand Canal et Santa Maria della Salute rayonne d’une luminescence éthérée et d’une coloration sublime. La capacité inégalée de Monet à capturer la lumière changeante et l’atmosphère palpable de la ville distinguent cette œuvre, présentant l’une des plus grandes images de Venise de l’artiste jamais commercialisées.

Author: Elsa Renault