Dans le dernier événement d’une année qui a rendu hommage au Baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002), marquant le 00e anniversaire de sa naissance, le Museo Nacional Thyssen-Bornemisza présente une exposition qui rassemble la magnifique collection d’art américain assemblée par le Baron pendant plus de trois décennies. Les œuvres exposées proviennent à la fois de la famille Thyssen et des collections Carmen Thyssen-Bornemisza, ainsi que et principalement du musée lui-même, qui possède une tenue exceptionnelle de cette école dans un contexte européen, faisant du Museo Thyssen de Madrid un point de référence clé pour la connaissance de l’art américain.
Art américain de la Collection Thyssen est le résultat d’un projet de recherche entrepris avec le soutien de la Fondation Terra pour l’Art américain pour étudier et réinterpréter ces peintures avec une nouvelle approche thématique et transversale à travers des catégories telles que l’histoire, la politique, la science, l’environnement et la vie urbaine. Il a également pris en compte des questions telles que le genre, l’ethnicité, la classe sociale et le paysage afin de fournir une connaissance plus approfondie des complexités de l’art et de la culture américains.
Cette réinterprétation se révèle dans la nouvelle présentation des œuvres dans les galeries et dans le catalogue correspondant avec des essais des deux commissaires: Paloma Alarcó, chef du Département de Peinture moderne du musée, et Alba Campo Rosillo, Terra Foundation Fellow of American Art, qui ont également écrit les textes qui accompagnent chaque section thématique, avec les commissaires de la peinture moderne du musée, Clara Marcellán et Marta Ruiz del Árbol. Cette sélection d’œuvres bénéficie également des commentaires des experts de l’art américain qui ont participé au projet. Comme pour toutes les expositions et activités associées au centenaire du baron Thyssen-Bornemisza, l’exposition a reçu le soutien de la Communauté de Madrid.
Les 140 tableaux réunis pour cet événement sont exposés dans les salles 55 à 46 du premier étage du musée, organisées en quatre sections thématiques: Nature, Croisements Culturels, Espace Urbain et Culture Matérielle, qui sont à leur tour divisés en diverses sous-sections qui établissent des dialogues entre des peintures de différentes périodes et d’artistes différents, combinant l’art des XIXe et XXe siècles.
1. NATURE
La section d’ouverture de l’exposition est consacrée au paysage, thème central de la collection Thyssen en général et de l’art américain en particulier. Le concept de nature a été essentiel à la création de la jeune nation nord-américaine et l’émergence et l’évolution du genre du paysage ne peuvent donc pas être dissociées de l’histoire américaine et de la conscience politique du pays. La peinture de paysage a défini le pays tout en le représentant, et le reflet d’une nature vierge a donc été établi comme la formule idéale pour réaffirmer l’esprit national grandissant.
L’Amérique Sublime
Après l’indépendance du pays en 1776 et surtout au début du XIXe siècle, les artistes américains, dont la plupart avaient été formés en Europe, ont pris conscience de la grandeur de la topographie du pays. À ses débuts, la peinture de paysage américaine était une adaptation de la tradition romantique européenne à l’exubérance du Nouveau Monde, combinée à un sentiment religieux et patriotique. La section Sublime America se concentre sur la nature comme source de spiritualité et de fierté, de connectivité, de vie et de mort. Cela est évident dans le travail de Thomas Cole, le premier peintre à révéler la relation entre l’homme et la nature à travers son utilisation des conventions du sublime romantique et à exprimer visuellement un sentiment religieux; dans le travail de Frederic Church, qui a apporté l’esprit scientifique caractéristique de ses activités d’explorateur; et de George Inness, dont le travail visionnaire et poétique vise à susciter les émotions du spectateur.
Cependant, l’influence du romantisme transcendantal dépasse tout cadre chronologique, permettant d’associer des œuvres des XIXe et XXe siècles. L’allégorie de la croix vue dans les peintures de Cole et Church est toujours présente dans la production de certains expressionnistes abstraits tels que Alfonso Ossorio et Willem de Kooning, tandis que les artistes associés au photographe et galeriste Alfred Stieglitz, tels que Georgia O’Keeffe, ont réintroduit le passé mystique du paysage américain dans l’art moderne. D’autres peintres du XXe siècle tels que Mark Rothko et Clyfford sont restés en contact avec la nature sublime à travers l’abstraction.
Rythmes de La Terre
Au milieu du XIXe siècle, les perspectives positivistes post-darwiniennes ont encouragé un intérêt scientifique croissant pour le monde naturel. Cette deuxième génération de peintres paysagistes s’est rapprochée de la tendance naturaliste qui a prévalu en Europe pendant une grande partie du XIXe siècle, en se concentrant sur l’histoire naturelle et sur l’état constant de transformation de la nature. Asher B. Durand, disciple de Cole et fervent défenseur de la peinture en plein air, révèle dans son œuvre un réalisme méticuleusement scientifique, tout comme John Frederick Kensett et James McDougal Hart.
Après un long voyage en Europe où il a étudié les nouveaux traités sur la lumière et la couleur, Frederic Church a commencé à révéler un intérêt pour la représentation de la transformation du paysage au fil des saisons et dans différentes conditions atmosphériques, tout comme Jasper Francis Cropsey qui a introduit l’utilisation du format panoramique qui s’est répandu chez les artistes américains vers le milieu du siècle. Un peu plus tard, des artistes tels que Theodore Robinson et William Merritt Chase révèlent l’influence naissante de la qualité éphémère de l’impressionnisme français.
Au 20ème siècle, une figure notable est Arthur Dove qui s’est concentré sur la transformation des forces internes de la terre et sur les conditions atmosphériques changeantes, visant à intégrer la nature et l’abstraction dans sa peinture. Un autre nom clé est Hans Hofmann, pour qui “la nature est toujours la source des impulsions créatives de l’artiste” et qui a employé une sorte de figuration organique qui combinait ses racines et sa formation européennes avec les innovations issues de son expérience américaine. Jackson Pollock a également exprimé son désir de reproduire les rythmes de la nature; la chorégraphie de l’artiste déplaçant son corps et sa main sur la toile au sol était une véritable liturgie liée au monde naturel.
Impact humain
La tension entre la civilisation et la préservation de la nature a pénétré la peinture du XIXe siècle à un point tel qu’elle a ouvert la voie à notre conscience environnementale moderne. La plupart des premiers paysagistes américains ont déménagé pour vivre à la campagne et ont souvent représenté des scènes de vie bucolique qui symbolisent l’abondance de la terre et l’harmonie entre les premiers colons et le cadre naturel. D’autres se sont intéressés à l’exploration du temps qui passe à travers l’activité humaine, comme en témoignent les scènes de ports de la côte atlantique de John William Hill, Robert Salmon, Fitz Henry Lane, Francis A. Silva et John Frederick Peto, qui trouvent leur contrepoint dans la vision du 20e siècle de Charles Sheeler sur le vent, la mer et la voile.
L’héritage de la tradition de la peinture de paysage a été hérité à la fin du 19ème siècle par Winslow Homer dont le travail reflète la confrontation de l’homme et des forces de la nature. Elle se poursuit au 20ème siècle avec Edward Hopper; l’image de l’arbre mort qui réapparaît dans certaines de ses œuvres se connecte à celles présentes dans les peintures de Cole et Durand, déracinées par l’impact humain destructeur.
2. CROISEMENTS CULTURELS
Avec un titre qui fait référence aux moments de contact entre différentes communautés, cette section est organisée en trois sous-sections:
Paramètre
Settings met l’accent sur la représentation du paysage naturel en tant qu’espace dans lequel l’histoire complexe de l’Amérique du Nord a été écrite. Du milieu du 18e au 20e siècle, de nombreuses peintures dépeignent des récits qui présentent la terre comme le site de l’assimilation coloniale, exaltant la présence euro-américaine par rapport à la présence autochtone ou afro-américaine. Le paysage sert également de cadre aux récits de la domestication par l’homme de territoires sauvages et de l’inévitable extinction des Amérindiens. Les exemples incluent le travail de Charles Wilson Peale dans son portrait des enfants d’un riche colon sur sa plantation de pêches dans le Maryland; celui de Charles Wimar dans sa représentation des peuples autochtones résignés à leur extinction face à l’avancée coloniale; et l’appropriation de la culture autochtone évidente chez des artistes tels que Joseph Henry Sharp, entre autres.
Hémisphère
Cette sous-section examine l’expansion territoriale, politique et économique des États-Unis vers l’ouest, le nord et le sud dans la tentative du pays de remplacer l’Europe comme sphère d’influence sur le continent américain. Les chutes de Saint Antoine, peintes par George Catlin et Henry Lewis, illustrent cet espace naturel progressivement occupé mais apparemment inaltéré, tandis que les paysages d’Amérique latine de Church, Bierstadt et Heade reflètent la découverte de ces lieux exotiques, d’expéditions commerciales à la recherche de terres à cultiver et de zones de démarrage du transport maritime intercontinental. Les terrains éloignés ont continué à fournir une source d’expérimentation artistique pour Winslow Homer dans la seconde moitié du 19e siècle et Andrew Wyeth au 20e siècle.
Interaction
Interactions rassemble des œuvres qui représentent les différentes communautés des États-Unis – esclaves, classe ouvrière, émigrés juifs, Afro-Américains, Asiatiques, cosmopolites – analysant leurs interconnexions allant de l’alliance au conflit. Les célèbres estampes des peuples autochtones de Karl Bodmer sont exposées, aux côtés de portraits de colons qui ont posé pour John Singleton Copley et de membres de la haute société peints par John Singer Sargent. L’accent mis sur l’exotisme réapparaît avec Frederic Remington au début du 20e siècle tandis que l’intérêt pour la classe ouvrière et la communauté afro-américaine est présent dans le travail de Ben Shahn et Romare Bearden dans les décennies suivantes.
3. ESPACE URBAIN
Cette section réfléchit sur la culture américaine moderne à travers le regard des artistes et sur la croissance et la transformation de l’espace urbain, le cadre d’une nouvelle société et l’émergence de la modernité.
ville
La migration massive de la population afro-américaine suite à la guerre civile vers les villes du nord, en plus des grandes vagues d’immigration européenne, a transformé les villes en espaces de rencontre entre différentes cultures. À leur tour, leur apparence a été transformée par le développement industriel, les systèmes de transport, les grandes avenues et les gratte-ciel, qui ont tous inspiré les artistes. Charles Sheeler a comparé les rues et les avenues aux formations géologiques des canyons; Max Weber a exprimé son expérience de la ville à travers l’influence du cubisme et du futurisme; tandis que John Marin, associé aux avant-gardes européennes, a transmis l’énergie vitale de la métropole.
Dans les années 1960, les nouveaux mouvements réalistes ont de nouveau regardé la ville du niveau du sol, tels que les célèbres vues urbaines de Richard Estes et les citadins représentés par Richard Lindner; les gens se déplaçant dans les rues et autour des centres commerciaux. En dehors de la ville mais liée à celle-ci, l’autoroute outre-mer de Ralston Crawford fonctionne comme un symbole de la liberté et de l’indépendance du rêve américain.
Sujet Moderne
Certains artistes ont porté leur regard sur les citadins non pas comme des représentants d’un type urbain mais comme des individus cachés parmi la foule, convaincus que ce sont les histoires personnelles de ces individus qui ont créé le rythme de la ville. Les figures clés de bon nombre de ces récits sont les femmes, tant dans la sphère publique que privée et reflétant les changements généraux de la société. Cela est évident dans les travaux de Winslow Homer à la fin du 19e siècle et d’Edward Hopper au 20e siècle, artistes qui ont présenté leur vision particulière de la réalité urbaine comme un symbole de l’isolement de l’homme moderne; ou dans le travail de Raphael Soyer qui a dépeint les nouveaux rôles occupés par les femmes, soit au travail, soit comme cibles de nouvelles pratiques de consommation. Une autre dimension du sujet moderne apparaît dans les peintures d’Arshile Gorki, exprimées à travers un style à mi-chemin entre automatisme surréaliste et liberté gestuelle expressionniste; et dans celles de Willem de Kooning qui reflétait l’énergie dynamique des êtres humains.
Loisirs et Culture Urbaine
Parallèlement à la révolution industrielle, le concept de loisirs a émergé dans les grandes villes et les gens pouvaient désormais consacrer le temps libre gagné par des heures de travail plus courtes au repos et au divertissement. La création des premiers parcs publics et la popularité croissante de la marche à la campagne ou sur les plages voisines – un mécanisme d’évasion pour les citadins – ont fait l’objet de scènes de Winslow Homer et des impressionnistes Childe Hassam, John Sloan et William Merritt Chase, entre autres.
Plus tard, les parcs d’attractions et la musique de rue inspireront Ben Shahn, qui ambitionnait de dépeindre la réalité sociale de son pays. À partir du début du 20ème siècle, la musique est devenue extrêmement importante dans la vie américaine. De toutes les nouvelles formes musicales, c’est le jazz – d’origine afro-américaine et qui peut être considéré comme le résultat de cet échange culturel urbain – qui est sans aucun doute devenu le plus populaire et a inspiré de nombreux artistes dont Arthur Dove, Stuart Davis et même Jackson Pollock. Même au début du siècle, la musique était un modèle pour divers peintres tels que Marsden Hartley et John Marin, qui voyaient les analogies musicales comme une alternative sans lien avec les apparences.
4. CULTURE MATÉRIELLE
Cette section analyse l’attention renouvelée que la culture matérielle a reçue dans l’art américain, organisée en trois sous-sections:
Voluptas
La célébration de la vie et des sens à travers la représentation picturale, résumée dans le mot latin “voluptas”, commence par diverses natures mortes, de l’exemple le plus traditionnel, comme l’exemple du 19ème siècle de Paul Lacroix, aux plus innovants de Stuart Davis, un artiste qui aspirait à créer un art national et moderne à travers le quotidien. D’autres peintres dont Charles Demuth, Georgia O’Keeffe, Lee Krasner et Patrick Henry Bruce ont également cherché à reconnecter l’art et la nature à travers un traitement formel qui a commencé avec la réalité et a progressivement évolué vers l’abstraction. De plus, l’interaction entre l’humain et le non-humain est devenue un motif récurrent dans les natures mortes que les artistes pop utilisaient pour réfléchir à la société de consommation, comme en témoignent les travaux de Tom Wesselmann, Roy Lichtenstein et James Rosenquist.
Tempus fugitif
Faire allusion au temps qui passe et à l’inévitabilité de la mort est un dispositif courant dans le genre de la nature morte. La fumée de tabac, les allumettes usées, les miettes de biscuits et un journal font référence à cette nature transitoire de la vie dans la peinture de William Michael Harnett, l’un des principaux représentants et innovateurs de ce genre dans l’Amérique de la fin du 19e et du début du 20e siècle. La mortalité était également un thème récurrent pour Joseph Cornell, dont les assemblages comprennent des animaux et une gamme d’autres motifs tels que des bulles de savon qui sont utilisées pour représenter la nature éphémère de la vie.
Rituel
Les différentes expressions culturelles des nations autochtones du pays ont suscité l’intérêt de certains artistes étrangers, comme le Franco-suisse Karl Bodmer dont les estampes offrent un inventaire visuel des instruments, objets rituels et armes des différentes tribus, représentés à la fois isolément et dans leur contexte dans des scènes quotidiennes du village et de sa périphérie, et dans des paysages avec sanctuaires et lieux de sépulture. D’autres artistes ont exprimé leur nostalgie de ce monde idéalisé, comme Frederic Remington qui a dépeint une idée romantique de l’Occident et de ses habitants.
Publication
