Musée d’Art Moderne de San Francisco
16 Juillet 2022–2 janvier 2023
Le Musée d’Art Moderne de San Francisco (SFMOMA) présentera L’Amérique de Diego Rivera, l’examen le plus approfondi du travail de l’artiste depuis plus de deux décennies. L’Amérique de Diego Rivera réunissant plus de 150 peintures, fresques et dessins de Rivera—ainsi que trois galeries consacrées à des projections cinématographiques à grande échelle de peintures murales très influentes qu’il a créées au Mexique et aux États-Unis.Visible à San Francisco du 16 juillet 2022 au 2 janvier 2023, l’exposition itinérante se concentre sur son travail des années 1920 au milieu des années 1940, les années les plus riches de la carrière prolifique de Rivera. Au cours de ces deux décennies clés, Rivera a créé une nouvelle vision pour l’Amérique du Nord, éclairée par ses voyages au Mexique et aux États-Unis.
« Rivera était l’un des artistes les plus ambitieux du 20e siècle sur les plans esthétique, social et politique”, note le commissaire invité James O. « Il était profondément préoccupé par la transformation de la société et la formation de l’identité—l’identité mexicaine, bien sûr, mais aussi l’identité américaine, au sens le plus large du terme. En raison de sa croyance utopique dans le pouvoir de l’art de changer le monde, Rivera est un artiste essentiel à explorer à nouveau aujourd’hui, d’un point de vue contemporain.”
L’exposition se rend au Crystal Bridges Museum of American Art du 11 mars au 30 septembre 2023.
L’Amérique de Diego Rivera s’appuie sur la collection de SFMOMA de plus de 70 œuvres de Rivera, l’une des plus importantes au monde. Il présente également des peintures, des dessins et des fresques empruntés à des collections publiques et privées au Mexique, aux États-Unis et au Royaume-Uni, réunissant beaucoup pour la première fois depuis la mort de l’artiste. Des œuvres emblématiques et très appréciées, telles que Le Moulin à Maïs (1926), Danse à Tehuantepec (1928), Porte-Fleurs (1935) et Portrait de Lupe Marin (1938), sera montré aux côtés de peintures qui n’ont pas été vues publiquement depuis leur sortie de l’atelier de l’artiste.
L’exposition est la première à examiner le travail de Rivera par thème, avec des galeries dédiées à des lieux comme Tehuantepec et Manhattan qui ont capturé son imagination, et à ses sujets de prédilection, tels que les marchés de rue, les célébrations populaires et les images de l’industrie. Cela commence avec la première commande de peintures murales de Rivera, Création (1922-23), un projet qui—comme une grande partie de son travail—se tourne vers les traditions artistiques du passé tout en adoptant des stratégies d’avant-garde. Dans les années 1920, travaillant principalement au Mexique, Rivera établit son style mature, se distinguant par des formes arrondies, des couleurs intenses et des compositions de plus en plus denses. Il a cimenté un intérêt pour l’allégorie, la culture populaire, la famille, le travail et la révolution prolétarienne, thèmes qui seraient au cœur de ses célèbres peintures murales à San Francisco, Detroit et New York du début des années 1930, et qui résonneraient dans ses peintures et dessins à travers les années 1940.
Le point culminant de l’exposition est la dernière peinture murale américaine de Rivera, une œuvre colossale mesurant 22 pieds de haut sur 74 pieds de large, peinte pour l’exposition internationale du Golden Gate à San Francisco en 1940. Le mariage de l’Expression Artistique du Nord et du Sud sur le Continent– communément appelé Unité Panaméricaine—est gratuit pour tous les visiteurs à voir dans la galerie de la famille Roberts de SFMOMA. Cette fresque portable de 10 panneaux, prêtée par le City College de San Francisco jusqu’en 2024, explore sa vision d’une histoire et d’un avenir communs pour le Mexique et les États-Unis.
Diego Rivera (Mexicain, 1886-1957) croyait au pouvoir de l’art pour éduquer, inspirer l’action et transformer la société. Il considérait l’art comme une arme essentielle dans la lutte utopique pour une plus grande égalité sociale et justice. Des peintures telles que Le Fabricant de Tortillas (1926) et Tissage (1936) éclairent le désir de Rivera de se concentrer sur les gens ordinaires en tant que protagonistes des récits nationaux. Du début des années 1920 au milieu des années 1940, il a réinventé l’identité nationale mexicaine à grande échelle, a embrassé l’ère industrielle aux États-Unis et a conçu une grande Amérique dans laquelle l’unité, plutôt que la division, était primordiale.
L’idée de Rivera de “l’Amérique” était hémisphérique et transnationale, et ne se référait pas seulement aux États-Unis, comme il l’a déclaré en 1931: “J’entends par Amérique, le territoire compris entre les deux barrières de glace des deux pôles. Une figue pour vos barrières de fil et gardes-frontières. »Par-dessus tout, il croyait que les États-Unis et le Mexique partageaient un fondement historique similaire dans lequel un riche passé autochtone avait été supprimé par la violence coloniale. Il croyait également que les pays partageaient une force créatrice et une impulsion révolutionnaire qui les distinguaient de l’Europe. L’Amérique de Diego Rivera invite le public à réfléchir sur les histoires et les défis communs qui nous relient au-delà des frontières politiques.
L’exposition propose de nouvelles interprétations de certaines des peintures les plus célèbres de Rivera, notamment Vendeur de Fleurs (1926), prêté par le Honolulu Museum of Art, et un paysage surréaliste de 1938 de la collection du Brooklyn Museum of Art. Une suite de ses dessins humoristiques pour le ballet moderniste H. P. (Cheval), prêtés par le Museum of Modern Art de New York, seront présentés ensemble avec les premières reconstitutions des costumes de Rivera depuis 1932. La présentation dévoile également des peintures perdues pour les érudits ou jamais exposées auparavant, parmi lesquelles un double portrait époustouflant commandé par la mère de Jane et Peter Fonda en 1941.
Les galeries consacrées aux peintures murales américaines de Rivera présentent des croquis préliminaires à grande échelle et des dessins animés pour des œuvres telles que son projet censuré du Rockefeller Center de 1933, ainsi que deux panneaux de fresques peints à New York. Son invitation opportune à retourner à San Francisco en 1940 pour peindre une grande fresque murale devant un public en direct à l’exposition universelle tenue sur l’île au Trésor lui a permis l’occasion idéale d’envisager une réponse américaine collective à un monde qui s’effondre à nouveau dans la guerre.
San Francisco était particulièrement important pour Rivera; c’était le premier endroit où il peignait des peintures murales aux États-Unis.De même, son travail a eu une profonde influence sur les artistes et les muralistes de la région de la baie. Grâce à leur travail, Rivera et son épouse Frida Kahlo sont devenus profondément liés aux personnalités culturelles locales. C’est également à San Francisco que Rivera et Kahlo se sont remariés en 1940, après leur bref divorce. L’exposition présentera des portraits de leur large cercle d’amis à San Francisco, dont trois peintures importantes de Frida Kahlo.
L’Amérique de Diego Rivera comprend deux galeries dédiées aux projets de Rivera à San Francisco, avec des dessins préparatoires pour deux peintures murales de 1930-31: Allégorie de la Californie et La réalisation d’une Fresque Montrant la Construction d’une Ville. L’exposition intégrera également la fresque portable de Rivera Nature Morte et Amandiers en Fleurs (1931), peint à l’origine pour une maison privée et maintenant dans la collection de l’Université de Californie à Berkeley. Réunies pour la première fois, ces œuvres offrent un aperçu sans précédent du séjour de Rivera à San Francisco et soulignent le rôle de l’artiste dans l’établissement d’un héritage de muralisme politiquement engagé qui reste une partie indélébile de l’identité et de l’environnement bâti de la ville.
L’Amérique de Diego Rivera met en lumière des peintures qui dépeignent la vie au Mexique et aux États-Unis et se termine par une vaste fresque qui unit les deux pays. Le travail de Rivera nous invite à considérer le passé tout en affirmant le pouvoir de l’art d’envisager des solutions aux défis culturels, économiques et politiques et de façonner le présent.
L’Amérique de Diego Rivera est accompagné d’un catalogue richement illustré avec plus de 300 illustrations, et des essais de James O, Maria Castro, Claire F. Fox, John Lear et Sandra Zetina, et des contributions de Michelle Barger et Kiernan Graves, Dafne Cruz Porchini, Jennifer A. González, Rachel Kaplan et Adriana Zavala. Le catalogue est édité par James O et publié par le Musée d’art moderne de San Francisco en association avec University of California Press.
En tandem avec L’Amérique de Diego Rivera, SFMOMA a produit La Mission Muralismo Audio Zine Vol.I, pour que les auditeurs se promènent dans le quartier de Mission à San Francisco, en découvrant les peintures murales vues dans tout le quartier et les artistes qui ont collaboré à leur création. Dans cette histoire audio de 48 minutes racontée par Camilo Garzón, les écrivains locaux Olivia Peña et Josiah Luis Alderete entremêlent leurs perspectives sur l’histoire du mouvement Mission Muralismo avec des histoires des muralistes eux-mêmes.
