REMBRANDT À AMSTERDAM: CRÉATIVITÉ ET COMPÉTITION

Musée Städel, Francfort-sur-le-Main

DU 6 OCTOBRE 2021 AU 30 JANVIER 2022

Cet automne, le musée Städel célèbre le travail du plus grand des artistes néerlandais du 17ème siècle: Rembrandt van Rijn. L’exposition “Rembrandt à Amsterdam: Créativité et compétition » est la première à retracer l’ascension de Rembrandt d’un jeune artiste ambitieux de Leyde à un maître célèbre à Amsterdam. L’histoire est racontée à travers 60 œuvres de Rembrandt placées en dialogue direct avec des peintures d’autres artistes de son temps. 

Ferdinand Bol (1616-1680)

Autoportrait, vers 1647

huile sur toile, 97,5 × 77,5 cm,

Musée des Beaux-Arts Michele et Donald D’Amour, Springfield, Collection James Philip Gray,

Photo : David Stansbury – La Collection James Phillip Gray

Nicolaes Eliasz. Pickenoy (1588-1650 /56)

Portrait d’homme, 1628

Huile sur toile, 196 x 126 cm

Staatliche Kunsthalle Karlsruhe

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669)

Portrait d’un Homme debout (Andries de Graeff), 1639

Huile sur toile, 199 x 123,5 cm

Museumslandschaft Hessen Kassel, Gemäldegalerie Alte Meister

Photo : Ute Brunzel

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669)

Les Trois Arbres, 1643

Eau-forte, gravure et pointe sèche sur papier couché, 213 x 278mm

Musée Städel, Francfort-sur-le-Main

Photo : Musée Städel

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669)

L’enlèvement de Ganymède, 1635

177 × 129 cm

Huile sur toile

Gemäldegalerie Alte Meister, Staatliche Kunstsammlungen, Dresde

Photo: Staatliche Kunstsammlungen Dresde

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669)

Judith au banquet d’Holopherne, 1634

Huile sur toile

143 × 154,7 cm

Musée National du Prado, Madrid

Photo: Musée national du Prado, Madrid

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669)

Paysage avec un pont de pierre, vers 1638

huile sur panneau, 29,5 × 42,5 cm

Rijksmuseum, Amsterdam, Acheté avec le soutien de l’Association Rembrandt et A. Bredius, Amsterdam

Photo : Musée du Rijksmuseum, Amsterdam

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669)

Autoportrait au Béret de velours, 1634

Bois de chêne, 58,4 × 47,7 cm

Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie

Photo: Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie – Christoph Schmidt

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669)

L’aveuglement de Samson, 1636

Huile sur toile

219,3 × 305 cm

Musée Städel, Francfort-sur-le-Main

Photo : Musée Städel – U. Edelmann

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669)

Tronie d’un Homme au Béret à plumes, vers 1635-40

huile sur panneau, 62,5 × 47 cm

Mauritshuis, La Haye

Photo: Mauritshuis, La Haye

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L’exposition réunit les importantes collections de Francfort de l’œuvre de Rembrandt, notamment L’aveuglement de Samson (1636), avec une série de prêts stellaires de grands musées d’Europe et d’Amérique du Nord. Environ 140 peintures, estampes et dessins de Rembrandt et de ses contemporains – prêtés au Rijksmuseum d’Amsterdam, à la Gemäldegalerie de Berlin, à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, à la National Gallery de Londres, au Museo Nacional del Prado de Madrid et à la National Gallery of Art de Washington – révèlent l’impressionnante ascension, la percée et la domination du marché de l’artiste dans les années 1630 au milieu des années 1650.

En tant que peintre, Rembrandt a produit une œuvre étonnamment riche et variée composée de paysages, de scènes de genre et de natures mortes, mais il est surtout connu pour ses peintures d’histoire dramatiques et ses portraits réalistes. Son interaction et ses échanges avec d’autres peintres ont façonné à la fois son développement en tant qu’artiste et ses ambitions entrepreneuriales. Au milieu de la rivalité et de la compétition qui caractérisaient l’atmosphère inspirante d’Amsterdam à l’époque, où de nombreux artistes talentueux courtisaient les faveurs de la bourgeoisie aisée, Rembrandt a développé son langage visuel expressif unique, qui lui a finalement permis de se hisser au sommet de ce marché de l’art férocement disputé.

 » Avec  » Rembrandt à Amsterdam « , le musée Städel se penche de près sur l’une des figures les plus célèbres de l’histoire de l’art. À travers plus de 40 œuvres de notre propre collection et 94 prêts internationaux importants, nous retracons les années décisives de la carrière de Rembrandt et le suivons sur son chemin vers le succès et la maîtrise – sur ses rivaux et dans son art. Deux ans après « Making Van Gogh « , notre exposition Rembrandt marque également un nouveau départ pour Francfort – nous tenons à remercier les partisans de ce projet exceptionnel, ainsi que les citoyens locaux, les partenaires, les fondations et les entreprises dont la solidarité écrasante nous a permis de continuer ces derniers mois, plus que jamais auparavant « , déclare JEAN-PIERRE GIGNAC, directeur du Musée Städel.

« Rembrandt a suivi son propre chemin – avec inspiration et innovation, un sens aigu de l’importance du réseautage et de la collaboration, mais aussi avec une strie obstinée et une bonne dose de volonté et de dynamisme. Ces attributs sont encore ce qui détermine le sort des projets dans le monde d’aujourd’hui. Nous croyons au pouvoir de l’art d’inspirer l’innovation et le changement. Chez ING Deutschland, dont le siège est à Francfort et qui entretient des liens étroits avec Amsterdam, nous sommes donc ravis de soutenir cette exposition extraordinaire au Musée Städel et d’aider à retracer le chemin de Rembrandt ”, c’est ainsi JEAN JUE, CEO d’ING Deutschland, décrit le soutien de l’entreprise à l’exposition.

« Les Musées Städelscher-Verein soutiennent le travail du musée Städel depuis plus de 120 ans, nous sommes donc ravis d’apporter notre soutien à cette nouvelle entreprise d’exposition. Quand on pense à Rembrandt, on pense non seulement à l’artiste le plus innovant de son temps, mais aussi à l’acquisition spectaculaire de sa grande peinture d’histoire L’aveuglement de Samson pour la collection du Musée Städel. C’est en partie grâce à notre engagement que cette œuvre passionnante a été acquise en 1905. Ce n’est donc pas un hasard si elle occupe une place particulière dans l’exposition. Son histoire est même racontée dans ce format le plus moderne : le podcast, avec quatre épisodes à lui tout seul ”, explique SYLVIA VON METZLER, président des Musées Städelscher – Verein e.V.

« Aujourd’hui, le nom Rembrandt est toujours une marque internationale, et ses œuvres sont des « blue chips » convoitées. Cela dit, de son vivant, il a dû se faire un nom sur le marché de l’art d’Amsterdam, où la concurrence entre artistes a atteint des sommets inégalés. La capacité exceptionnelle de Rembrandt à pénétrer de manière convaincante la psychologie des personnages qu’il dépeint est sa marque de fabrique durable. L’exposition examine le travail de Rembrandt et de ses concurrents, collègues et élèves dans le milieu artistique fébrile d’Amsterdam au milieu du XVIIe siècle ”, explique JOCHEN SANDER, commissaire de l’exposition, directeur adjoint et conservateur des peintures néerlandaises, flamandes et allemandes d’avant 1800 au Musée Städel.

EXPOSITION
« Rembrandt à Amsterdam: Créativité et compétition » suit un parcours thématique structuré. L’architecture des galeries permet à l’œuvre de Rembrandt d’entrer en libre dialogue avec celle de ses contemporains.

Quand Rembrandt Harmensz. van Rijn est arrivé à Amsterdam au début des années 1630, il était loin d’être inconnu. Dans la capitale commerciale mondiale d’Amsterdam, le public acheteur d’art ne se limitait pas à la classe marchande aisée, mais comprenait également des artisans et des marins. Cherchant à se distinguer de ses concurrents par plus qu’un simple style, Rembrandt a commencé à signer ses œuvres avec simplement son prénom peu de temps après son installation à Amsterdam. C’est devenu l’une de ses marques les plus distinctives. Son inventivité impressionne rapidement la bourgeoisie locale dont les commandes font d’abord de lui un portraitiste recherché. Comme en témoignent les expositions Portrait d’Andries de Graeff à partir de 1639 (Gemäldegalerie Alte Meister, Museumslandschaft Hessen, Kassel), Rembrandt a eu le pouvoir de capturer l’expression vive et immédiate de la gardienne. Cela devient particulièrement évident lorsqu’il est juxtaposé aux portraits de ses rivaux d’Amsterdam, tels que Nicolaes Eliasz. La majestueuse grandeur nature de Pickenoy Portrait d’un Homme (1628, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe).

En plus des portraits commandés, Rembrandt a peint des autoportraits tout au long de sa vie. L’étude de son propre visage – que ce soit dans des peintures, des dessins ou des eaux–fortes – a permis à Rembrandt d’explorer l’expression de tous les sentiments et états émotionnels imaginables. Rembrandt a également utilisé ses autoportraits et ses études de tête comme carte de visite pour se promouvoir et promouvoir ses capacités artistiques. Eux aussi sont devenus une sorte de signature car il a incorporé ses propres traits du visage dans des croquis de personnages appelés tronies. Peinture Tronie d’un Homme au Béret à plumes (vers 1635-1640, Mauritshuis, La Haye) en est un exemple particulièrement impressionnant.

Peu après s’être installé à Amsterdam, Rembrandt rejoint la Guilde de Saint-Luc en 1634. En tant que membre de l’association professionnelle des artistes, Rembrandt a pu créer son propre atelier, devenir indépendant en tant qu’homme d’affaires et enseigner aux élèves payants. Au moins 40 jeunes artistes sont passés par son atelier à Amsterdam. Grâce à leur travail, chaque étudiant a activement contribué à bâtir la réputation de la marque Rembrandt. Pourtant, Rembrandt a encouragé ses élèves à développer leurs propres variations créatives plutôt que de simplement copier son œuvre. L’échange créatif avec d’autres artistes talentueux a donc exercé une influence constante sur son art et sur celui des assistants de cet atelier.

Rembrandt était un maître de plusieurs genres de peinture: portraits et tronies, histoires narratives, paysages, natures mortes et scènes de genre. Parmi ses contemporains, Rembrandt était considéré comme un artiste universel. Grâce à son maniement magistral de la lumière et des effets chromatiques, il a su restituer des matériaux précieux sur la toile, comme en témoigne son mystérieux Héroïne de l’Ancien Testament (1632/1633, Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa). Rembrandt était sans égal dans sa capacité à augmenter l’intensité de ses images en condensant le récit en une seule scène décisive. Ses histoires décrivent des moments émouvants avec le pouvoir de bouger, de déstabiliser et même d’alarmer le spectateur. Mais malgré cela, les figures de Rembrandt sont nuancées et véhiculent l’ambiguïté et le doute, en particulier dans leurs expressions faciales, comme en témoigne la figure du roi Saül sur la photo David Joue de la Harpe pour Saul (vers 1630-1631, Musée Städel).
Parfois, l’œuvre de Rembrandt révèle également une séquence grossière et humoristique. Son sens du détail graphique et de l’ironie se manifeste dans L’enlèvement de Ganymède (1635, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Gemäldegalerie Alte Meister): plutôt que de représenter Ganymède comme un garçon séduisant dans la tradition iconographique du célèbre dessin de Michel-Ange, très populaire à l’époque, Rembrandt le peint comme un tout-petit dodu.

Les représentations de la nature de Rembrandt – comme la gravure Les Trois Arbres (1643, Musée Städel) ou Paysage avec un pont de Pierre (vers 1638, Rijksmuseum, Amsterdam) – révèle comment il a utilisé des effets visuels pour tenter de rendre tangiblement la lumière et les phénomènes météorologiques et le mouvement dans la nature. À l’époque, son travail représentait une alternative surprenante à celle d’autres peintres spécialisés dans les paysages du sud baignés de lumière italienne qui se vendaient facilement sur le marché de l’art.

À partir du milieu du XVIIe siècle, les artistes d’Amsterdam, tout comme leurs homologues français avant eux, ont commencé à s’inspirer des règles de l’antiquité classique: les couleurs claires et les structures claires ont gagné en popularité. Ce nouveau classicisme était radicalement différent du style de peinture de Rembrandt. Cela n’est nulle part plus évident que dans la juxtaposition de la peinture de Rembrandt Diane et ses Nymphes se baignant, avec les histoires d’Actéon et Callisto (1634, Sammlung der Fürsten zu Salm-Salm, Wasserburg Anholt, Isselburg) et de Jacob van Loos Diana et Ses Filles (1654, Statens Museum for Kunst, Copenhague). En fait, Rembrandt s’est de plus en plus éloigné du goût contemporain dans ses œuvres ultérieures, employant une palette sombre et un empâtement épais à partir du milieu des années 1650. En conséquence, sa position dominante sur le marché de l’art d’Amsterdam a déjà pris fin de son vivant.

L’exposition est organisée par le Musée Städel de Francfort-sur-le-Main et le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa. 

TEXTES MURAUX 

Rembrandt – un nom, un visage, une marque établie à Amsterdam entre 1630 et
1655, et toujours célèbre à ce jour. C’est pendant ses années à Amsterdam que le
un jeune artiste de la ville de Leyde est devenu le maître que nous connaissons comme
aujourd’. Il fait rapidement de sa signature sa marque de fabrique : en 1633, “ Rembrandt
Harmenszoon van Rijn  » est notamment devenu simplement « Rembrandt ». Dans le monde
métropole commerciale d’Amsterdam, l’artiste s’est installée dans un environnement inspirant
cela l’a interpellé et motivé. Le marché de l’art d’Amsterdam de l’époque était l’un des
le plus grand et le plus compétitif d’Europe, avec une multitude d’artistes talentueux chacun
en lice pour les commissions des riches résidents de la ville. 

Contrairement à beaucoup de ses
concurrents, Rembrandt ne s’est pas spécialisé dans un genre particulier de peinture. Au lieu de cela, il
a répondu à la forte demande d’images en créant un portefeuille diversifié d’œuvres.
Il s’est spécialisé principalement dans les portraits vifs et les peintures d’histoire dramatiques, mais il était
également expert en paysages, natures mortes et scènes de genre – peintes, gravées ou dessinées.
Ses élèves et apprentis ont également contribué de manière significative à la diffusion de
la marque ”Rembrandt ». 

Cette exposition présente la formidable diversité artistique qui
les collectionneurs et les amateurs d’art de l’Amsterdam du temps de Rembrandt ont eu le privilège de
choisissez parmi. 

AMSTERDAM – CAPITALE DU COMMERCE DES MOTS 

La ville portuaire d’Amsterdam a connu un boom économique spectaculaire dans le 17ème
siècle. Les navires des Compagnies néerlandaises des Indes orientales et occidentales apportaient des marchandises et
produits de luxe à la ville du monde entier. La population d’Amsterdam a augmenté
rapidement. Entre 1580 et 1670, la population de la ville est passée de 30 000 à plus de
200 000 habitants. Le Grachtengordel (Ceinture de canaux) de la ville a été développé avec
maisons élégantes pour les citoyens nouvellement riches. Au milieu de l’Europe déchirée par la guerre du
jour, Amsterdam offrait un marché du travail solide et une coexistence relativement pacifique
entre différentes religions. Jusqu’à récemment, cet âge d’or culturel et économique de la République néerlandaise était appelé “l’âge d’or”. Mais cet euphémisme et maintenant
le terme controversé ignore le fait que la richesse et le pouvoir dans le commerce international étaient
également réalisé par l’exploitation et l’esclavage. 

REMBRANDT COMME ARTISTE DE COUR ? 

En 1632, Rembrandt fut chargé de peindre un portrait d’Amalia von Solms, le
épouse du Stadtholder néerlandais Frederik Hendrik. Le tableau était destiné à
complétez un portrait existant du Stadtholder exposé à la cour dans le
Hague, peint par Gerard van Honthorst, obligeant donc Rembrandt à employer
la même pose de profil stricte et le cadre peint. Mais la représentation de Rembrandt doit avoir
semblait trop bourgeois pour les goûts de la cour. Sa représentation réservée de la
la princesse n’était pas aussi flatteuse que la splendeur élaborée des nombreux Van Honthorst
peintures qu’elle a commandées. Bien que Rembrandt ait manifestement échoué en tant que
portraitiste de cour, ses assistants d’atelier ont adopté la pose de profil pour les portraits et la tête
études qui ont été vendues sur le marché libre. 

LE NOUVEL HÔTEL DE VILLE COMME PALAIS DES CITOYENS 

Lorsque l’ancien hôtel de ville d’Amsterdam a été détruit par un incendie le 7 juillet 1652, le
la construction de son successeur majestueux était déjà en cours depuis quatre ans.
Dédié en 1655 à la place du Dam, le bâtiment qui se dresse aujourd’hui comme le Palais Royal
d’Amsterdam était le projet de construction et d’art public le plus important de la ville du
17ème siècle. Il a été conçu pour mettre l’accent sur l’économie et la politique d’Amsterdam
puissance. Les artistes les plus titrés de l’époque ont été choisis pour meubler le bâtiment,
avec les anciens élèves de Rembrandt Govaert Flinck et Ferdinand Bol sélectionnés pour
créez des peintures monumentales pour ses salles les plus prestigieuses. Rembrandt lui-même aussi
a contribué au tableau La Conspiration de Claudius Civilis, mais le tableau était
retiré peu de temps après son installation pour des raisons qui restent floues aujourd’hui. 

REMBRANDT AVANT AMSTERDAM 

Pour compléter sa formation artistique, Rembrandt a fait son premier séjour prolongé à
Amsterdam à l’hiver 1624/25, quittant sa ville natale de Leyde pour étudier pendant six ans
des mois sous Pieter Lastman. Lastman était le principal peintre d’histoire d’Amsterdam en
les années 1620, et il s’est spécialisé dans les récits picturaux de la Bible, de la mythologie antique
et l’antiquité. Lastman a habillé les personnages de ses histoires de costumes colorés,
turbans lumineux et tissus précieux. Rembrandt a repris ce type d’imagerie dans le
de petites peintures d’histoire méticuleusement détaillées qu’il a créées pendant ses premières années à Leyde. Quand il a déménagé à Amsterdam, il a accéléré le drame narratif en utilisant
le contraste puissant de la lumière et de l’ombre et la représentation intense de l’émotion qui
deviennent dès lors les marques de fabrique de ses peintures d’histoire. 

VISAGES FAMILIERS 

Les partenaires de Rembrandt Saskia van Uylenburgh, Geertje Dircks et Hendrickje Stoffels
souvent modélisé pour l’artiste dans une variété de motifs. Rembrandt les a dépeints dans
peintures et estampes, les dessinaient dans des moments intimes, ou utilisaient leurs visages pour des femmes
figures dans ses peintures d’histoire. Rembrandt avait une relation particulièrement intime avec
son épouse Saskia, décédée en 1642 à l’âge de 29 ans, neuf mois après la naissance
du fils du couple, Titus. Saskia était la fille d’un maire de la province du nord
de Frise et le cousin du marchand d’art Hendrick Uylenburgh, avec qui Rembrandt
a travaillé en étroite collaboration à ses débuts à Amsterdam. 

AUTOPORTRAIT ET PORTRAIT DE RÔLE – LE VISAGE DE L’ARTISTE COMME
DÉPOSÉE 

Au cours des quatre décennies de sa carrière, Rembrandt a peint et gravé d’autres autoportraits
que tout autre artiste de son temps. Il posait appuyé sur un bras, comme son
modèles célèbres Raphaël et Titien dans des poses de la Renaissance italienne. Il
a également prêté ses traits du visage à l’étude des têtes et des expressions faciales connues sous le nom de
tronies. Rembrandt a utilisé ces représentations de lui-même pour assurer la reconnaissabilité sur le
marché de l’art, faisant de son propre visage une marque de son art. Ses élèves et ses concurrents
formes d’autoportrait répétées et variées de Rembrandt, adoptant des rôles comparables
et pose. Les Tronies étaient disponibles sur le marché de l’art à des prix abordables, ils
a contribué à étendre encore la portée de la marque ”Rembrandt ». 

FIERTÉ ET STATUT – PORTRAITS POUR LES CITOYENS D’AMSTERDAM 

En tant que nouveau venu à Amsterdam, Rembrandt a profité de sa collaboration avec un marchand d’art
Hendrick Uylenburgh jusqu’en 1634/35. Uylenburgh a promu les carrières d’une variété de
artistes, et a fourni à Rembrandt des affectations lucratives de portraits. Pour la société
les portraits de citoyens urbains conscients étaient des objets de prestige. Rembrandt a ravi son
clients avec ses compétences d’observation aiguës, devenant rapidement les plus demandés
portraitiste dans la ville. Au milieu des années 1630, Jacob Backer était un rival clé. Bailleur de fonds aussi
compris comment présenter les riches bourgeois d’Amsterdam dans un cadre réaliste et élégant
manière. La peinture de portrait a donné aux artistes l’occasion de réseauter avec un
clientèle qui était souvent intéressée par l’achat d’autres photos. Page

LES MEILLEURS CHOIX POUR LES ACHETEURS EXIGEANTS 

Au milieu des années 1630, des cols plats en dentelle fabriqués à partir de plusieurs couches de lin renforcé
remplacé la bien nommée “fraise en meule » comme le summum de la mode. Soucieux du style
les femmes ont personnalisé leurs looks individuels avec des accessoires tels que des bijoux en perles ou
ventilateurs portables opulents. Les citoyens d’élite d’Amsterdam n’avaient pas seulement l’embarras du choix
termes de leur garde-robe ou comment ils se présentaient – le marché de l’art de la ville était
débordant de portraitistes talentueux. Chacun de ces artistes a développé son propre
techniques pour la représentation la plus évocatrice de la dentelle blanche et du satin noir chatoyant.
Outre Rembrandt, des artistes tels que Jacob Backer, Govaert Flinck et
Bartholomeus van der Helst a aidé à répondre à la demande des plus méticuleux,
représentation réaliste de ces tissus élégants. 

DEUX FRÈRES – DEUX PORTRAITISTES 

Les frères Adriaen et Jacob Trip venaient d’un riche marchand d’Amsterdam
famille qui avait amassé sa fortune grâce au commerce international. De leurs parents
la génération avait engagé Rembrandt pour peindre leurs portraits, mais les fils avaient différents
goût. En 1644, Adriaen Trip prend une pose confiante dans un portrait de Jan Lievens.
L’artiste avait partagé un atelier à Leyde avec Rembrandt, puis a travaillé à Londres et
Anvers. En 1644, il s’installe à Amsterdam et connaît rapidement le succès. Décennal
plus tard, le frère cadet Jacob commanda Bartholomeus van der Helst, qui
était le choix idéal dans les années 1650 pour ce genre de portrait élégant, posé en forme
noir devant un fond de paysage. 

PORTRAITS DE FIERTÉ COMMUNAUTAIRE 

Les riches bourgeois d’Amsterdam ont assumé des postes de direction dans des organisations à but non lucratif
les institutions communales telles que le Spinhuis, le pénitencier pour femmes, ou le
Leprozenhuis, un établissement de santé pour les personnes atteintes de maladies infectieuses. Nombreux
les portraits de groupe témoignent des fonctions estimées exercées par les  » Régents « , tous deux masculins
et des femmes, et par des citoyens qui ont servi dans des compagnies de gardes civiques bénévoles. Alors
ces images défilent fièrement l’engagement social de la classe supérieure, le réel
les occupants des institutions caritatives étaient rarement considérés comme dignes d’être représentés
eux-mêmes. La Garde de nuit de Rembrandt, le portrait le plus célèbre de la garde civique, était
peint pour le Kloveniersdoelen, la salle de réunion de la compagnie des mousquetaires.
Les portraits de groupe commandés par des organismes publics étaient des missions prestigieuses
pour les peintres. Ceux qui ont réussi ont établi des contacts avec de puissantes familles régentes
et a profité d’autres commissions. 

 
UNE QUESTION DE GOÛT: OPTIONS DE REPRÉSENTATION DE SOI 

Comment auriez-vous choisi d’être représenté à l’époque? Les citoyens d’Amsterdam pourraient
choisissez parmi des artistes et des formats de première classe dans une variété de gammes de prix, mais
seuls les plus riches pouvaient se permettre un portrait grandeur nature. Nicolaes Eliasz
Pickenoy était le principal portraitiste d’Amsterdam dans les années 1630. Il a immortalisé
sa clientèle dans des poses dignes et a créé des ressemblances de la plus grande élégance. En tant que
plus jeune concurrent, Rembrandt a offert une approche contrastée qui s’appuyait sur
mouvement dynamique et vitalité naturelle. Son portrait animé d’Andries de Graeff s’est brisé
avec la convention et la peinture de portrait élevée à un nouveau niveau. Mais dans les années 1640
le goût populaire avait changé. La prochaine génération a préféré le style de peinture plus lumineux
de l’ancien assistant de Rembrandt, Govaert Flinck.

 L’IMPRESSION DE PORTRAITS – PAS VERS LA PERFECTION 

Les eaux-fortes de Rembrandt témoignent de son amour de l’expérimentation et de sa grande
talent narratif. Des admirateurs de ses estampes lui ont commandé des gravures de portraits –
parmi eux, le collectionneur d’art Jan Six et le marchand d’estampes Clement de Jonghe, deux de
ses partisans les plus importants. De Jonghe a acquis plus de 70 plaques de cuivre par
Rembrandt et en a fait des estampes pour les vendre. Portrait du marchand d’estampes de Rembrandt
a été développé dans plusieurs États. Les collectionneurs ont apprécié les impressions de preuve inachevées
à tel point que Rembrandt en a vendu de petits tirages comme œuvres d’art à part entière,
ajouter de la valeur à son activité d’impression. Alors que la plupart des tirages étaient peu coûteux, certains des
Les eaux-fortes de Rembrandt se vendaient au même prix que les peintures. 

CHOISIR UN PORTRAITISTE – MAIS PAS REMBRANDT! // ARTISTIQUE
COMPÉTITION SUR PAPIER 

Le poète et dramaturge Joost van den Vondel n’était décidément pas l’un des Rembrandt
collectionneurs et mécènes. Vondel était une figure importante de la vie culturelle d’Amsterdam,
et il a fait de nombreux portraits de lui-même, mais aucun de Rembrandt. Dans son
poèmes Vondel a fait l’éloge de Sandrart, Lievens et Flinck. Il préférait leur plus lumineux
approche picturale, un style que Rembrandt n’offrait pas.
Dans ses estampes, Rembrandt a cherché à rivaliser artistiquement avec ses contemporains et
artistes antérieurs dont il collectionnait les œuvres. Il a perfectionné un mélange unique de gravure,
gravure et pointe sèche et impressions spéciales imprimées sur papier asiatique ou même
vélin. Avec son estampe de Cent Florins, Rembrandt a produit une eau-forte de
valeur marchande extraordinaire. Une fois, il a échangé une impression de ce travail contre le
Peste parmi les Chevaux de Troie –Il Morbetto) – La célèbre gravure de Raimondi d’après Raphaël. 

 MARCHÉ DE L’ART ET CRITIQUE D’ART 

Le centre commercial le plus important d’Amsterdam était la Bourse ou beurs, le stock
bourse fondée en 1611 dans le centre-ville. Dans le Travail Adriaensz. La peinture de Berckheyde
nous pouvons voir des marchands du monde entier s’agiter autour du bâtiment
cour, où des marchandises et des titres internationaux ont été négociés. À droite de la
entrée, nous voyons le stand d’un marchand d’art offrant des paysages, des scènes de genre et des images fixes
vies à vendre. Dans des endroits comme celui-ci et même dans leurs propres studios, les artistes ont été confrontés
avec des critiques d’art. L’opinion de Rembrandt sur les contemporains qui se sont commercialisés comme
des critiques d’art avertis se manifestent dans un dessin satirique: L’artiste en bas à droite
sans vergogne fait ses “affaires » alors qu’un critique d’art aux oreilles d’âne – un symbole de
stupidité – commentaires sur un tableau qu’il pointe du doigt. 

LE HÉROS TRAGIQUE – COMPÉTITION SUR LA GRANDE SCÈNE 

À partir de 1635, Rembrandt revient à la peinture d’histoire comme spécialité. Émotionnel
la profondeur et les moments dramatiques culminants sont devenus une marque de fabrique de son œuvre picturale
récits. En 1639, il écrit à Constantijn Huygens, secrétaire du Stadtholder
Frederik Hendrik, expliquant que son objectif était de capturer le plus grand et le plus grand
mouvement naturel et émotion. Dans la même lettre, il offrit un immense tableau à
Huygens en cadeau, très probablement L’aveuglement de Samson. Ce tableau présente le
moment le plus brutal de l’histoire biblique comme aucun autre artiste ne l’avait fait auparavant, dépeignant
Samson étant aveuglé. Rembrandt s’est inspiré du héros tragique déchu de
Rubens et Van Dyck. Les connaisseurs d’art de l’époque ont reconnu ces liens
et apprécié le concours international auquel Rembrandt était maintenant entré,
établir simultanément de nouvelles normes et créer de l’inspiration pour des artistes qui
suivre. 

RÉEL OU IDÉAL ? OPTIONS STYLISTIQUES POUR LA NARRATION 

Dans Diane Se baignant avec ses Nymphes, avec les histoires d’Actéon et de Callisto,
Rembrandt a combiné deux récits des Métamorphoses d’Ovide dans une
façon originale. Alors que certaines des femmes éclaboussent de manière ludique dans l’eau, les nymphes sur
la droite a jeté le Callisto enceinte au sol et s’arrache violemment
ses vêtements. Pendant ce temps, Actéon a observé secrètement la déesse de la
hunt et son entourage se baignent. En guise de punition, Diana transforme Actéon en un
cerf, comme l’indiquent les bois sur sa tête. La composition de Rembrandt est pleine de
contrastes et vitalité, et il a donné aux nymphes des corps et des mouvements naturels. Ce
l’image n’aurait guère pu mieux contraste avec la représentation classique de la scène
peint par Jacob van Loo 20 ans plus tard, dont les personnages féminins se conforment au Page 7/10
idéal féminin de beauté basé sur l’antiquité classique. Couleurs vives et équilibrées
les proportions étaient en demande dans les années 1650, remplaçant de plus en plus le style de Rembrandt,
parts égales drastiques et naturelles, du marché. 

REMBRANDT OU PAS ? 

Les dessins de paysages de Rembrandt sont en fait toujours des croquis dessinés avant le
motif. Le genre de composition finie que nous trouvons ici, avec des personnes minuscules dans un majestueux « paysage mondial » de montagnes, d’une rivière, d’une ville et d’une campagne ne se trouve que dans quelques-uns des
ses tableaux. Ceci et la signature, inhabituelle dans ses dessins, ont conduit à la suspicion que
il est loin comme le 19ème siècle que ce dessin était un « faux ». Plus récent
les examens ont cependant produit des arguments en faveur de l’idée qu’il pourrait en
fait être un original. Un regard attentif sur la gamme de détails, simplement dessinés mais vibrants, tels que
comme les voyageurs au premier plan à gauche, révèle un niveau d’expertise en dessin pas
anticipé au premier coup d’œil sur ce dessin surprenant. 

PAYSAGES – LIEUX DE NOSTALGIE ET OBJETS À VENDRE 

Vers l’an 1600, des paysages sans récit de la Bible, de la mythologie ou
l’histoire était une rareté. À peine 50 ans plus tard, le paysage était parmi les plus populaires
sujets sur le marché de l’art d’Amsterdam. Paysage italien ensoleillé, fantaisie poétique
des paysages ou des vues panoramiques sur les plaines hollandaises ont procuré détente et détente.
dépaysement pour les personnes en milieu urbain. Hercules Segers et Philips
Koninck s’est spécialisé sur ce segment de marché, tandis que Rembrandt est resté principalement un
peintre de figures. Dans les quelques peintures de paysages et de nombreux dessins et estampes, il
créé à partir de la fin des années 1630, il renouvelle son intérêt pour le théâtre, avec art
cherchant à capturer les phénomènes naturels de la lumière et du temps. 

HÉROÏNES ÉNIGMATIQUES 

Le cercle de Rembrandt a mis sur le marché de nombreuses peintures mettant en vedette puissamment
figures féminines expressives. Les héroïnes bibliques et mythologiques étaient vêtues de vêtements fantaisistes
costumes faits de matériaux luxueux, reflétant une fascination pour les cultures étrangères et
matériel. Les artistes ont profité de la disponibilité de toutes sortes de produits étrangers dans
Amsterdam pour animer leurs peintures. Les bijoux, tissus de soie ou coquillages de
les terres lointaines qu’ils décrivaient étaient disponibles à Amsterdam en tant qu’importation très convoitée
marchandise. L’identification des femmes représentées est énigmatique non seulement pour les femmes d’aujourd’hui
publics: Les connaisseurs d’art du 17ème siècle ont accueilli l’ambiguïté délibérée dans l’art
comme catalyseur de l’imagination et invite à une discussion sociable. 

UN THÈME DE L’ANCIEN TESTAMENT COMME BEST-SELLER: ABRAHAM ET AGAR 

Le marché de l’art d’Amsterdam offrait des scènes de l’Ancien Testament à tous les prix
gamme. Luttant pour la libération de l’Espagne pendant la guerre de Quatre-Vingts Ans, les Hollandais souvent
ils se sont identifiés aux Israélites bibliques comme un nouveau peuple élu. Représentations
de l’expulsion d’Agar par Abraham, un drame familial en proie à des conflits moraux, étaient
particulièrement populaire. La représentation de l’histoire par Pieter Lastman en 1612 s’est largement révélée
influents, mettant l’accent sur les interactions émotionnellement chargées entre les
figure. Le dessin de Rembrandt d’après la peinture de Lastman a précisément capturé cette qualité.
Le succès durable de la composition était toujours exposé 40 ans plus tard dans le
variation peinte par Barent Fabritius, élève de Rembrandt. En revanche, Rembrandt
l’ancien employé Govaert Flinck a présenté de manière innovante les chiffres centraux dans une demi-longueur
format. 

L’IDÉAL DEVIENT RÉEL – L’ENLÈVEMENT DE GANYMÈDE 

Le mythe de Ganymède raconte l’histoire du plus beau garçon de la terre
kidnappé par le père des dieux, Jupiter, qui se transforme en aigle,
attrape le jeune et l’emporte pour servir de porte-gobelet aux dieux. Le
le plus beau garçon de la terre? Ganymède de Rembrandt est exactement le contraire. Dans
format monumental il présente un bambin joufflu, pleurant de peur et même mouillant
lui-même. Le contraste avec les représentations de Ganymède courantes à l’époque ne pouvait pas avoir
été plus grand. Gravures sur cuivre d’un motif original de Michel-Ange représentant
Ganymède en tant que jeune homme attrayant et musclé était largement populaire. Ganymede
l’enlèvement était parfois représenté pour symboliser l’ascension de l’âme au ciel,
surtout l’âme d’un enfant décédé, mais on ne sait pas si cette signification peut être
appliqué à la peinture de Rembrandt. L’immédiateté audacieuse de la représentation réaliste de Rembrandt
reste étonnamment unique. Cela aurait certainement alimenté la discussion entre
Amateurs d’art d’Amsterdam. 

LES ANGES : UN THÈME DE MARQUE DANS LE CERCLE DE REMBRANDT 

Rembrandt avait le talent de réinventer des thèmes populaires. Il a transmis cela à son
étudiants et les a encouragés à proposer leurs propres variations créatives de son
composition. Rembrandt gagnait beaucoup d’argent grâce aux ventes d’œuvres de son
les étudiants et les frais d’apprentissage qu’il leur a facturés pour sa tutelle. Scènes
les messagers angéliques sont devenus des best-sellers dans son studio. Nous pouvons également voir le
l’impact des représentations angéliques de l’équipe de Rembrandt dans l’œuvre de Jan Victors, qui
n’était pas un étudiant de Rembrandt. Adaptation des vainqueurs de thèmes Rembrandtesques et Page 9/10
motifs témoigne de la large influence que “Rembrandt & Co. »avait sur le
fabrication et commercialisation d’art à Amsterdam. 

AMBIANCE ITALIENNE OU INTIMITÉ CHALEUREUSE? // LE SACRIFICE D’ABRAHAM COMME
DÉFI ARTISTIQUE 

Les artistes d’Amsterdam ont offert aux consommateurs une vaste gamme de thèmes attrayants et
style. Les motifs de l’enfance du Christ étaient très demandés, et les artistes ont dépeint
les deux dans des tons sombres ainsi que présentant un lustre lumineux avec une palette lumineuse.
Alors que l’ancien élève de Rembrandt, Samuel van Hoogstraten, s’attaquait aux profondeurs,
ton clair-obscur de son ancien professeur dans le cadre modeste de sa représentation de la nativité,
son contemporain Jan Baptist Weenix avait passé du temps en Italie, et sa représentation du
La Sainte Famille est placée sous un soleil éclatant avec une architecture classique en arrière-plan.
Rembrandt a également transmis sa passion pour le théâtre et l’émotion à ses successeurs. Dans
représentations du sacrifice d’Isaac, ils ont capturé le messager céleste
intervenir à la dernière minute pour empêcher Abraham de sacrifier son fils. Le
la représentation de tournants dramatiques est devenue une marque de fabrique pour les images
récits dans le cercle de Rembrandts.

 AMBIGUÏTÉ ASTUCIEUSE 

Partie nature morte, partie peinture de genre – La Fille de Rembrandt aux Paons morts tient un
place spéciale dans son travail. Il était clairement fasciné par l’ombrage coloré et
structure du plumage chatoyant des oiseaux, mais il a résisté à la peinture d’une nature morte simple,
au lieu d’intégrer la disposition des oiseaux dans une scène de la vie quotidienne. Nous trouvons également un
scène complètement réaliste dans la représentation d’une fille avec un balai. La peinture est
le nom de Rembrandt, mais son exécution a récemment été attribuée à
un des étudiants les plus talentueux du master : Carel Fabritius. Fabritius a utilisé le terreux
couleurs et traitement atmosphérique de la lumière si caractéristiques du travail de son professeur,
création d’un produit de la marque ”Rembrandt ». Les différentes méthodes de peinture évidentes
dans l’image indiquent qu’un autre artiste doit l’avoir terminé après que Fabritius ait
j’ai quitté Amsterdam. 

MONDES QUOTIDIENS: VARIÉTÉ NARRATIVE 

Le marché libre des peintures de genre a connu une croissance exponentielle entre 1630 et 1660.
Les scènes de la vie quotidienne étaient appréciées comme des œuvres d’art contemporain très modernes.
Des groupes festifs de personnes élégantes aux scènes de ferme graveleuses, peintures de genre Page 10/10
contraste avec les thèmes traditionnels de l’histoire religieuse en étant facile à comprendre, comme
aussi spirituel et divertissant.
C’est surtout dans ses dessins et ses estampes que Rembrandt a capturé des observations
de la vie quotidienne. De nombreux artistes, également des villes environnantes, se sont spécialisés dans le genre
la peinture et leurs œuvres font pression sur les artistes d’Amsterdam pour qu’ils soient compétitifs. Pour
Rembrandt, les scènes de genre étaient simplement l’une des nombreuses catégories d’images qu’il
commercialisé pour la vente.