L’empire des lumières de René Magritte
Peinte pour Anne-Marie Gillion Crowet, qui apparaît dans plusieurs des plus grandes œuvres de Magritte, l’énigmatique œuvre de 1961 est restée dans sa famille depuis. Sera offert en mars 2022 avec une estimation de plus de 60 millions de dollars. Avec l’aimable autorisation de Sotheby’s.
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– L’empire des lumières de René Magritte, L’une des œuvres les plus désirables de l’art moderne en mains privées, et parmi les images définitives de l’art surréaliste, capture le paradoxe visuel qui est au cœur de l’originalité de l’artiste. L’œuvre immédiatement reconnaissable a été créée en 1961 pour la baronne Anne-Marie Gillion Crowet, la fille du mécène de Magritte, le collectionneur surréaliste belge Pierre Crowet, et est restée dans la famille depuis. Anne-Marie incarnait l’idéal esthétique de Magritte, avant même qu’il ne la rencontre. Étrangement, sa ressemblance se retrouve dans un certain nombre d’œuvres exécutées avant leur première rencontre, lorsqu’il lui dit : “Tu vois, je te peignais déjà avant de te connaître ”. Par la suite, elle est devenue une amie de longue date de Magritte et de sa femme Georgette, apparaissant dans plusieurs des peintures les plus importantes de l’artiste. Avec une estimation de plus de 60 millions de dollars, ce chef-d’œuvre de l’art du XXe siècle sera offert comme la star de Sotheby’s Vente aux enchères en soirée Modern & Contemporary à Londres le 2 mars.
Exposé dans le monde entier à Bruxelles, Rome, Paris, Vienne, Milan, Séoul, Edimbourg et San Francisco, L’empire des lumières a récemment été prêté au Musée Magritte de Bruxelles de 2009 à 2020, entouré de la plus belle collection de peintures de Magritte au monde. Avant la vente aux enchères, le tableau sera exposé publiquement dans les galeries Sotheby’s à Los Angeles, Hong Kong, New York et Londres. » Chef-d’œuvre de l’art du 20e siècle, L’empire des lumières réunit les deux éléments les plus fondamentaux de la vie quotidienne – ceux du jour et de la nuit – sur une toile paradoxale. Avec son échelle impressionnante, la peinture cinématographique entraîne le spectateur dans l’univers intemporel de Magritte. Son immédiateté et sa puissance incarnent la « qualité star » qui place Magritte parmi le panthéon des artistes les plus recherchés du marché. Nous ne pourrions être plus ravis de commencer la nouvelle année en présentant cette œuvre exceptionnelle à Londres, où elle représente une nouvelle référence à la fois pour l’artiste et pour le marché de l’art mondial. »HelenaHelena Newman, Présidente de Sotheby’s Europe et Responsable Mondiale de l’Art Impressionniste et Moderne Anne-Marie Gillion Crowet & Magritte La première rencontre de Magritte avec Anne-Marie, lorsqu’il la reconnaît comme l’incarnation de la muse qui habitait déjà son imaginaire, a lieu alors qu’elle a 16 ans et on lui demande de peindre son portrait. Dans les années qui ont suivi, son visage, maintenant connu de lui par son nom, a continué à apparaître dans plusieurs de ses peintures majeures. Dès leur première rencontre, le couple a noué un lien étroit, l’artiste lui envoyant des petits dessins et lui montrant ses derniers tableaux, en peignant même un pour elle à l’occasion de la naissance de sa fille. Faisant bel et bien partie de son monde intérieur, Anne-Marie jouait aux échecs avec l’artiste dans son bistrot préféré et passait des soirées en famille à regarder des films de Charlie Chaplin et Buster Keaton. Avec son mari Roland, Anne-Marie est une figure incontournable de la scène culturelle belge : leur collection Art Nouveau a été donnée aux Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique (où elle occupe un étage entier). La Domination de la Lumière Magritte a commencé à travailler sur une version de ce sujet en 1948, revenant à l’idée à de nombreuses reprises au cours de la décennie suivante, réinventant et enrichissant soigneusement chaque nouvelle composition. Le groupe de dix-sept huiles qui en résulte intitulé L’empire des lumières constitue la seule véritable tentative de Magritte de créer une « série » au sein de son œuvre. Les œuvres ont évolué au fil du temps tout en se parlant, de la même manière que les nuits étoilées de Vincent van Gogh et les nénuphars de Claude Monet. La série a été un succès immédiat auprès du public et des collectionneurs – avec la première version achetée par Nelson Rockefeller et des exemples maintenant conservés dans la Collection Peggy Guggenheim de Venise, le Musée d’Art Moderne de New York, la Collection Menil de Houston et les Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles. Cet exemple est parmi les plus grands à l’échelle, mesurant 114,5 x 146 cm., 45 par 57½po., le plus grand dans un format horizontal. Le sujet a peut-être été inspiré par le poème L’Aigrette d’André Breton, que Magritte connaissait bien, avec le vers d’ouverture : » Si seulement il faisait du soleil cette nuit » ( » Si seulement le soleil devait sortir ce soir « ). La combinaison étrange d’une rue sombre et nocturne sous un ciel bleu vif est typique de l’imagerie surréaliste troublante de Magritte – dans laquelle deux choses apparemment incompatibles sont réunies pour créer une “fausse réalité”. Le décor suburbain lui-même est reconnaissable, représentant une rue calme près du Parc Josaphat à Bruxelles où l’artiste s’était installé en 1954. L’art surréaliste et le cinéma étaient inextricablement liés, et cette image majestueuse est sans doute la plus cinématographique de toute l’œuvre de Magritte. Preuve de son pouvoir saisissant, l’œuvre a même inspiré une scène du classique The Exorcist, lauréat d’un Golden Globe en 1973. Ficinq œuvres de Claude Monet
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En mars, Sotheby’s présentera cinq œuvres de Claude Monet peintes au cours d’une période de formation de quinze ans au cours de sa carrière, marquant le pivot de l’artiste, du peintre impressionniste au père de l’expressionnisme abstrait. Monet x Monet | Une Collection Américaine Distinguée peint un tableau de la façon dont Monet a abordé le concept de capture de la couleur et de la lumière sur la toile d’une manière de plus en plus moderne et abstraite, à travers une gamme de motifs clés. D’une toile fleurie qui préfigure les célèbres peintures de nénuphars tardives de Monet, à une représentation rythmique de grainstacks vaguement regroupés, et deux paysages peints dans des conditions météorologiques différentes à des fins de saisons opposées, les œuvres – toutes antérieures à 1900 – encapsulent le Monet « moderne » qui a eu une influence si profonde sur les artistes et les mouvements ultérieurs. Avec une estimation combinée de l’ordre de 50 millions de dollars (35 millions de £), les peintures seront proposées aux enchères du soir Sotheby’s Modern & Contemporary à Londres le 2 mars 2022.
Massif de chrysanthèmes, estimée à £ 10 – 15 millions, est l’une des quatre natures mortes consacrées aux chrysanthèmes peintes par Monet en 1897. Défiant radicalement la longue et illustre tradition de la peinture de nature morte, le sujet et la composition – dans lesquels les fleurs occupent toute la toile, les bords du tableau recadrant la composition – avaient beaucoup à voir avec la fascination de Monet pour le Japon, fascination qu’il partageait avec beaucoup de ses contemporains. En 1854, les ports japonais se sont ouverts au commerce occidental pour la première fois en 200 ans, suscitant une vogue du japonisme qui a pénétré presque tous les aspects de la vie occidentale.
C’est à cette époque que Monet a découvert pour la première fois des estampes japonaises – utilisées comme papier d’emballage dans un magasin d’épices aux Pays-Bas. Il devient rapidement un collectionneur passionné, ornant les murs de son atelier d’estampes qui complètent les fleurs (dont les chrysanthèmes) qu’il cultive dans son jardin. La composition du tableau était presque certainement inspirée du travail du grand imprimeur japonais Hokusai, dont Monet possédait des estampes de “Grandes fleurs”. En fait, l’influence des représentations de fleurs sans arrière-plan de Hokusai peut également être observée dans les nénuphars de Monet, et ce n’est pas un hasard si les premières peintures de nénuphars de l’artiste datent de la même année où il a produit ces peintures de fleurs en gros plan. De même, le chrysanthème détient un statut spécial au Japon – symbole du pouvoir et, souvent, du pays lui-même. Peut-être à juste titre, donc, ce tableau a été exposé le plus récemment au Japon, en 1995, et à un moment donné au cours de son histoire de propriété prestigieuse, il est entré dans une collection privée japonaise.
Il est également possible que Monet ait eu son ami proche, Gustave Caillebotte, au premier plan de son esprit, car le frère de Caillebotte avait offert à Monet une grande peinture des fleurs en souvenir après la mort de l’artiste en 1894 – une œuvre que Monet conserva pour le reste de sa vie.
Estimé à £ 15 – 20 millions, Les Demoiselles de Giverny présente l’un des motifs les plus reconnus peints par Monet, celui des meules, bien qu’en l’occurrence, une collection de meulettes d’apparence plus lâche que les meules de foin finies. Revisitant le sujet en 1894, à la suite de la célèbre série de meules de foin qu’il peint en 1890-91, utilise le symbole de la santé rurale de la France pour poursuivre son exploration novatrice de la construction d’une toile avec de la peinture. La surface richement incrustée de l’œuvre témoigne de l’utilisation sculpturale du médium par Monet, qui se penche sur le phénomène de l’abstraction. Le titre du tableau, ”Les Demoiselles de Giverny », tire son nom de l’expression familière française et évoque des figures en mouvement dans un paysage, faisant écho aux nombreuses occasions qu’il avait peintes dans le monde naturel dans les années 1870.
Glaçons, environs de Bennecourt, estimé à £ 5 – 7 millions, montre également la progression de Monet vers ses peintures de nénuphars du 20th siècle. À la fin de décembre 1892 et en janvier 1893, la longueur de la Seine a connu de fortes gelées et de fortes chutes de neige. Capturer les glaces à la surface de la rivière était une floraison naissante des peintures de nénuphars, que Monet commencerait quelques années plus tard.
Peint en 1897, Sur la falaise près de Dieppe, soleil couchant, estimé à £ 3,5-5 millions, provient d’une série d’œuvres représentant la côte normande. Les peintures étaient inhabituelles dans leur choix de couleurs, car Monet utilise une palette méditerranéenne douce pour peindre le périmètre nord dramatique de la France. Réduire les formes de la nature à leur essence avec un pinceau gestuel représentait les premières incursions de Monet dans l’abstraction. Au moment de sa mort, il était devenu un peintre abstrait à part entière, qui allait avoir une influence considérable sur la génération d’artistes qui suivit.
Compléter le groupe est Pruneaux et Abricots, peindre vers 1882-85 pendant une période où la production de Monet a commencé à toucher un public plus large et à gagner une reconnaissance croissante. En 1882, le marchand d’art légendaire Paul Durand-Ruel avait commandé une série de panneaux décoratifs représentant des fleurs et des fruits pour le grand salon de son appartement parisien. Alors Pruneaux et abricots ne faisant pas partie de la conception finale, cette charmante nature morte, estimée entre 1,2 et 1,8 million de livres sterling, a été acquise par le concessionnaire en 1890.